Sappiamo che ogni nome è formato da diverse “parti”, la prima suddivisione che viene alla mente è la scomposizione in diverse sillabe, poi in diverse lettere. Le vocali danno colore ai nomi: un suono grave o leggero aiuta a creare tutto un mondo immaginario, un richiamo alla mente di desideri, visioni, fantasie, associazioni con il prodotto ideale, con valori che vogliamo comunicare.

Le consonanti danno spessore alle parole. Rendono un nome dolce o forte, lo rendono sonoro. Ma oltre alle sillabe, alle vocali e consonanti e al loro ritmo, c’è un altro aspetto della «suddivisione» di una parola che non va trascurata: il rapporto tra prefisso - nome –s uffisso. L’uso dei suffissi è stato molto diffuso nelle attività di naming, se si sceglie di percorrere questa strada, ci sono delle piccole attenzioni da avere.

Il suffisso è la parte finale del nome, l’ultimo suono, quello che vibra più a lungo nell’area e che maggiormente resta fissato nella memoria. Proprio il suffisso è la parte del nome maggiormente condizionata dalla moda, spesso si sceglie di utilizzare suffissi “ad effetto”, ad esempio in “–is” o “-ex”, in alcuni casi il suffisso viene utilizzato per rafforzare il suono, in altri casi per rendere più “internazionale” il nostro nome, per creare dei richiami linguistici che creino nella mente del nostro target un immagine “cosmopolita”, o creare un richiamo ad un immaginario esotico, pur senza fare un preciso richiamo ad una lingua straniera.

In un nome non conta solo la fonetica, il suono, ma ogni parola, ogni nome, porta in sé un immagine visiva, trasmette un suo carattere. Ogni nome porta in sé non solo un significato ma anche una magia. E’ un simbolo, contiene una sua rappresentazione, una sua poesia, ha la capacità di trasmettere un'emozione.

Ogni nome racconta una storia.

Un’operazione di naming ha il compito di raccontare la storia di quello che vogliamo offrire al mercato. Ogni nome oltre ad avere un impatto di tipo uditivo ha un impatto visivo, porta in sé una immagine, evoca significati, suggerisce visioni, emozioni.

Nella scelta del nome sappiamo che questo carico di contenuti resteranno legati indissolubilmente a quel prodotto. Ogni nome porta il consumatore ad una serie di associazioni che sono visive, emotive, associazioni che comprendono sia la sfera razionale che l’immaginario. Un nome conferisce un’identità “un’anima” al prodotto che vogliamo mettere sul mercato.

Nel nostro progetto di naming dobbiamo tenere in conto le visioni che ogni nome suggerisce, perché un nome rimane impresso nella memoria e porta con sé un insieme di significati, associazioni e suggestioni che difficilmente potranno essere modificate nella mente del consumatore.

Intorno al nome si costruiscono le convinzioni del consumatore, si creano link emotivi e logici che difficilmente, una volta radicate, possono essere annullate.

Abbiamo visto che assegnare un nome può essere un'operazione molto complessa, che richiede attività di ricerca, costruzione e verifica che non possono essere banalizzate nella pura "invenzione istantanea".

Crittografia: Studia metodi per proteggere le informazioni riservate, metodi per garantirne l'autenticità e l'integrità. Sono questi gli aspetti sui quali ci concentreremo in questa serie di letture.

Crittanalisi: Si occupa del procedimento inverso delle crittografia, cioè studia possibili modi per forzare gli algoritmi crittografici verificandone così la robustezza. Qui non ci occuperemo di questa branca della crittanalisi. Ci basterà arrivare a capire come le cose funzionano e come ci possono tornare utili.

Bit: Sta per "binary digit" (cifra binaria). Come saprete, i computer e i dispositivi digitali in generale, elaborano essenzialmente numeri, ma questi numeri non vengono rappresentati nella forma decimale (cioè con dieci cifre come siamo abituati a fare) bensì nella forma binaria (cioè con due sole cifre). Queste due cifre sono lo 0 e l'1. Per chi non si intende di queste cose, ricordo che la scelta di usare 10 cifre per l'aritmetica è puramente arbitraria: potremmo ugualmente usarne per esempio 20, oppure 5. La scelta del numero di cifre, cioè della base di numerazione, ha motivi di praticità, e non esiste alcuna limitazione nell'usare una base piuttosto che un'altra. Naturalmente si possono convertire i numeri da una base all'altra, così ad esempio il numero binario 11010 corrisponde al numero decimale 26. Chi usa un computer probabilmente non ha mai visto apparire sullo schermo numeri in forma binaria, ma sempre e solo in forma decimale: sono i programmi ad occuparsi della conversione, in modo da favorire la leggibilità da parte di noi umani. Ma dentro al computer tutti i numeri e i dati vengono rappresentati ed elaborati in base 2.

Byte: Nell'ambito dei sistemi informatici si è consolidato nel tempo l'uso di raggruppare 8 bit insieme: l'unità così formata viene detta byte. I bit che compongono il byte hanno un certo ordine: esattamente come le cifre dei numeri decimali, anche l'ordine delle cifre binarie ha il significato di "peso" della cifra. Quindi il numero binario 11010 che abbiamo visto nella descrizione del termine bit potrebbe essere rappresentato così in un byte:

I tre zeri che appaiono a sinistra sono necessari per riempire tutti gli otto bit che costituiscono il byte. Quanti possibili valori diversi si possono rappresentare in un byte? Questo è abbastanza facile da calcolare: siccome ciascuno degli otto bit può assumere due valori, 0 e 1, avremo due possibilità per ciascuna cifra del byte, per un totale di 2*2*2*2*2*2*2*2=28=256 combinazioni diverse. Queste 256 combinazioni si possono utilizzare per rappresentare, ad esempio, i numeri da 1 a 256, oppure per rappresentare i numeri da 0 a 255 (notare la sottile differenza), oppure per rappresentare i caratteri alfabetici, le cifre e gli altri simboli di punteggiatura di un testo. Il byte, di per sè, non riporta il tipo della informazione che esso rappresenta, ma sono i programmi ad attribuirgli il significato corretto a seconda del contesto.

Testo ASCII: Tra i tanti modi possibili per rappresentare un testo, lo standard ASCII è diventato quello comunemente accettato nel mondo informatico. L'ASCII non è altro che una tabella che dà la corrispondenza tra vari caratteri stampabili e il byte che li rappresenta. Ad esempio, la lettera 'A' maiuscola viene codificata nel byte 10000001, mentre la cifra '7' viene codificata nel byte 00110111, e così via. L'ASCII codifica anche certi caratteri speciali necessari per la corretta formattazione dei testi, come gli a-capo e le tabulazioni.

Simbolo: Nell'ambito di questo documento userò questo termine ad indicare gli elementi che compongono un messaggio. Nel caso di un testo i simboli sono i caratteri che lo compongono, tipicamente nella rappresentazione ASCII che abbiamo descritto. Nel caso di un file binario come una immagine, i simboli saranno i valori dei byte che lo compongono. Per fissare meglio le idee, i simboli che userò negli esempi saranno sempre alfabetici, e tipicamente mi limiterò alle sole lettere maiuscole. E' facile immaginare come gli stessi ragionamenti si possano estendere ad un numero arbitrario di simboli, per esempio i 256 possibili valori che può assumere un byte in un file generico. Siccome qui ci occuperemo di capire i concetti fondamentali, eviterò generalizzazioni astratte che, seppur corrette teoricamente, tendono ad oscurare il ragionamento.

Messaggio: E finalmente veniamo al messaggio, cioè il documento o l'informazione che dobbiamo trasmettere. Un messaggio è una sequenza di simboli, cioè potrebbe essere una sequenza di byte come in un file binario, oppure una sequenza di caratteri ASCII come in un testo: sappiamo che tutti questi tipi di informazione, sebbene diversi, vengono comunque rappresentati con dei byte, e quindi tutte le tecniche crittografiche che vedremo sono impiegabili a prescindere dal tipo specifico di messaggio. Un messaggio nel senso di questa documentazione potrebbe quindi contenere un file, una immagine, un suono, un breve commento o un libro intero, un preventivo, una ordinazione, una password, ecc. Per chiarezza di esposizione, i messaggi che useremo negli esempi saranno sempre dei brevi testi in prosa dal contenuto banale. In alcuni contesti tratteremo il messaggio come se fosse un numero e lo inseriremo dentro a una espressione aritmetica: in effetti basta mettere in fila tutti i byte che lo compongono e poi leggere tutti i bit nell'ordine per ottenere un numero binario, magari lunghissimo, ma pursempre solo un numero.

Integrità del messaggio: Tecniche per verificare che un messaggio trasferito o archiviato non sia stato accidentalmente alterato. Esempi: checksum, CRC, MAC, HMAC.

Autenticità del messaggio: Tecniche per verificare che il messaggio di un certo autore appartenga effettivamente a quell'autore. E' una sorta di firma digitale, ma meno versatile.

Intercettatore o intruso: L'intercettatore è colui che carpisce copia del messaggio in transito tra i signori A e B, ed è perciò il loro naturale antagonista. Poiché però la parola "intercettatore" è troppo lunga per i miei gusti, userò più spesso la parola "intruso": il significato è diverso, ma tutto sommato rende meglio l'idea del terzo incomodo indesiderato.

Algoritmo: Parolone che significa questo: assegnati certi dati di partenza, l'algoritmo è la procedua dettagliata da seguire in modo da pervenire ai risultati voluti. Descriveremo gli algorimi usando il linguaggio in prosa, e useremo solo un po' di algebra elementare.

Password: Traducibile in "parola di accesso", è un codice segreto che permette di accedere a una qualche funzione riservata. Esiste un solo posto sicuro dove custodire una password: la propria testa.

Chiave: Codice segreto usato per parametrizzare un algoritmo di crittazione. La chiave usata per crittare si chiama chiave di crittazione, mentre la chiave per decrittare si chiama chiave di decrittazione.

Crittare: Applicazione di un algoritmo per rendere incomprensibile il contenuto di un messaggio, salvo che al destinatario. Il messaggio di partenza viene detto messaggio in chiaro, mentre il messaggio ottenuto con questo algoritmo viene detto messaggio crittato. Generalmente l'algoritmo di crittazione viene parametrizzato da una chiave, che permette di utilizzare lo stesso algoritmo tra diversi interlocutori.

Decrittare: Applicazione di un algoritmo che converte il messaggio crittato nel suo originale in chiaro. La decrittazione è quindi l'applicazione dell'algoritmo inverso della crittazione.

Algoritmo di crittazione a chiavi simmetriche: Un algoritmo di crittazione dove la chiave di crittazione è uguale alla chiave di decrittazione. Due soggetti che vogliano scambiarsi messaggi crittati, dovranno preventivamente concordare una chiave segreta in comune.

Algoritmo di crittazione a chiavi asimmetriche: Un algoritmo di crittazione dove la chiave di crittazione è diversa dalla chiave di decrittazione. Con questi algoritmi i due soggetti non hanno bisogno di concordare una chiave segreta in comune, perché la crittazione avviene usando la chiave pubblica della controparte, mentre la decrittazione richiede la conoscenza della chiave segreta, e non sarebbe altrimenti possibile usando la stessa chiave pubblica usata per la crittazione.

Chiave segreta e chiave pubblica: Negli algoritmi di crittazione a chiavi asimmetriche ogni soggetto dispone di due chiavi: quella segreta deve essere conservata e mantenuta scrupolosamente segreta dal proprietario; quella pubblica invece deve essere diffusa il più possibile, magari anche registrandola presso un key server o una Certification Authority.

Fingerprint (impronta digitale): Codice numerico caratteristico di una chiave pubblica ma più corto, e riportato a scopo di verifica incrociata nella corrispondenza, nei biglietti da visita, ecc. Vedremo maggiori dettagli nella sezione dedicata alle implementazioni dei sistemi crittografici.

Key ID (identificativo della chiave): Versione ancora più ridotta del fingerprint, costituita dai suoi ultimi 64 b. Vedremo maggiori dettagli nella sezione dedicata alle implementazioni dei sistemi crittografici.

Spazio delle chiavi: Con questo termine un po' oscuro si indica semplicemente il numero di chiavi diverse che un certo algoritmo di crittazione può accettare. In generale più grande è questo numero, più robusto è l'algoritmo rispetto agli attacchi di forza bruta (v.).

Attacco di forza bruta: Noto l'algoritmo di crittazione usato, consiste nell'esplorare sistematicamente lo spazio delle chiavi alla ricerca di quella usata per crittare il messaggio. Per svolgere questo compito noioso e ripetitivo, i computer sono lo strumento ideale. Recentemente è stato dimostrato come uno spazio delle chiavi a 56 bit (che corrisponde ad oltre 72 milioni di miliardi di combinazioni) può essere esplorato completamente in pochi giorni da computer opportunamente predisposti. Questo insegna che gli attacchi di forza bruta da parte dei moderni computer si prevengono solo usando chiavi molto più lunghe di questa: un semplice ragionamento mostra che per ogni bit aggiunto alla chiave, lo spazio delle chiavi raddoppia e quindi raddoppia anche il tempo necessario per un attacco di forza bruta.

Robustezza dell'algoritmo: Valutazione per lo più empirica delle possibilità di invertire l'algoritmo di crittazione pur senza conoscere la chiave, oppure della possibilità di ridurre l'ampiezza dello spazio delle chiavi a causa della presenza di particolari debolezze logiche, così facilitando il lavoro dell'intruso. Del resto la logica insegna che non si può dimostrare che un algoritmo è corretto, ma si può solo dimostrare che è errato, qualora questo errore venga scoperto. In generale gli algoritmi in uso corrente sono considerati robusti, nel senso che resistono alle forme di attacco crittanalitico note. Vedremo che sono noti diversi algoritmi di crittazione, firma digitale, digest ecc., e perciò i programmi che li impiegano permettono di scegliere quali utilizzare. Perciò nella evenienza che un qualche algoritmo oggi in uso si dovesse un giorno rivelare debole, la migrazione verso nuovi algoritmi sarebbe (abbastanza) indolore per l'utilizzatore.

Sicurezza del sistema crittografico: Valutazione delle concrete possibilità che un intruso particolarmente determinato e che dispone di mezzi adeguati, possa in qualche modo violare un certo sistema crittografico, vuoi con un attacco di forza bruta condotto con macchine potentissime, vuoi sfruttando qualche debolezza negli algoritmi usati. Ci sono molti esempi clamorosi in cui sistemi di crittazione ritenuti inviolabili, si sono poi dimostrati deboli. Vedremo alcuni di questi casi, come il codice di Vigenère e la macchina Enigma. Come è facile rendersi conto, nessun sistema di sicurezza è mai perfetto, e probabilmente nessuno lo sarà mai. Ciò che conta è valutare il rapporto rischi/benefici delle tecnologie, tenersi informati e poter disporre all'occorrenza di soluzioni alternative.

Key server: Server di rete Internet abilitato alla registrazione, alla consultazione e alla revoca delle chiavi pubbliche. In generale tutte le operazioni sono gratuite, ma l'identità del registrante non viene accertata. La validità di questo strumento sta nei controlli incrociati che si possono fare, e nel fatto che la chiave si può registrare presso diversi server. Si tratta di un modello di certificazione di tipo ``diffuso'' tipico del Web-of-trust, come vedremo nella sezione dedicata alle implementazioni.

Certification Authority (in breve: CA): Svolge lo stesso ruolo dei key server, ma con alcune differenze sostanziali:
1) la CA è un ente, pubblico o privato, al quale viene riconosciuto questo ruolo, magari come conseguenza di una normativa di legge;
2) la CA si preoccupa di accertare la validità della chiave pubblica registrata, cioè accerta la corrispondenza tra il soggetto e la sua chiave pubblica;
3) il servizio delle CA è a pagamento, per cui tipicamente ci si limita alla registrazione presso una sola CA.

Autore: Umberto Salsi

I primi sistemi crittografici risalgono all'antichità. La prima tecnologia crittografica che ha un riscontro nei moderni sistemi è la soluzione che Giulio Cersare adottò durante la sua campagna di Gallia.

Nel corso dei secoli sono stati messi a punti moltissimi sistemi crittografici più o meno complicati, tuttavia, la mancanza di dispositivi automatici atti alla manipolazione delle informazioni ha sempre reso tali sistemi poco pratici e/o di scarsa sicurezza.

Il codice di Vigenère, inventato nel 1562, è il piò noto sistema crittografico a chiavi simmetriche  e, ai tempi, acquistò addirittura l'appellativo di "indecrifrabile".

Con l'era tecnologica, poi, nel corso del ventesimo secolo, con le nuove tecnologie di telecomunicazione e le due guerre mondiali, le tecniche crittografiche sono diventate una scienza a tutti gli effetti.

Dalla macchina  Enigma tedesca, alle Bombe di decrittazione polacche, era tutto un fiorire di reparti di intelligence che scomodava e formava servizi segreti e reparti speciali dediti alla crittanalisi. Enti come l'NSA e nuovi dispositivi di calcolo (i precursori dei moderni computer) nacquero negli anni della Guerra Fredda.

Tra gli anni 60 e 70, poi, assistiamo alla progressiva diffusione dei calcolatori elettronici: queste macchine erano lo strumento ideale per sviluppare in maniera relativamente semplice nuove soluzioni crittografiche avanzate. La diffusione delle prime reti telematiche, inoltre, consentiva, almeno alle aziende più importanti, di dotarsi di sisetmi di protezione complessi e standardizzati destinati alla implementazione sui computer come, ad esempio il DES.

Nel 1976, grazie al lavoro di Diffie e Hellman, fu dimostrata la possibilità di inviare messaggi crittati senza concordare preventivamente una chiave comune. Il mittente, infatti poteva crittare il messaggio secondo la chiave pubblica del desitnatario e quest'ultimo poteva decrittarlo utilizzando la propria chiave segreta. Nascevano così gli algoritmi a chiave asimmetrica. Tali algoritmi hanno aperto la strada alle moderne applicazioni di crittografia, alla firma digitale e addirittura ai comuni protocolli di rete.

Laura Biagiotti, Sergio Tacchini, Valentino, Ferragamo, e poi Ferrari, Ambrosoli, Moretti, Condorelli ... prodotti diversi tra loro che hanno in comune una scelta nel marchio: mantenere il nome dell'imprenditore. Quando questa scelta funziona? Cosa ci comunica il nome di chi è responsabile del prodotto che stiamo acquistando?

Certamente un valore fondamentale: l'autenticità. Che effetto produce nel consumatore? Sicuramente uno: la fiducia.

L'imprenditore si espone personalmente, garantisce con il proprio nome la buona qualità del prodotto o servizio. Scegliere di utilizzare la firma come brand è un progetto che funziona bene quando il marchio nasce da una comprovata esperienza, quando è sinonimo di garanzia. Quando porta in sé una serie di valori identificativi. Si sceglie questo progetto di naming quando si vuole dare risalto alla tradizione, al prestigio di quel nome, che viene automaticamente trasferito ai prodotti con cui si identifica.

La scelta di un nome proprio conferisce una singolarità al prodotto, un'inimitabilità, un'individualità.

Oltre ai nomi patronimici, la storia del naming è ricca di esempi di scelte di nomi propri di personaggi storici, come Napoleon, Cesar, o nomi che hanno origini geografiche, come il profumo Roma, nomi derivanti dalla mitologia, nomi di divinità, o ancora nomi di personaggi dei cartoni animati, la famosa Pippo, o ancora nomi comuni, di cose, persone o animali, come la lavatrice Margherita che ha un nome di donna.

Bisogna sempre ricordare che un nome deve avere alcune caratteristiche che lo rendano un efficace veicolo del prodotto che identifica, è un tramite tra il prodotto e il potenziale consumatore. Il nome deve rappresentare un segno distintivo del prodotto. Deve evocare i bisogni e le aspettative che il prodotto va a soddisfare.

Un attento progetto di naming evidenzia l'efficacia o meno di un nome, in relazione al prodotto che rappresenta, ai bisogni che vuole soddisfare, alle suggestioni che vuole evocare, alla comunicazione che vuole istaurare con il suo potenziale consumatore.

“A” “E” “I” “O” “U” … quanto peso hanno le vocali nelle parole?
Da un punto di vista fonetico sono fondamentali!

Le vocali caratterizzano notevolmente il suono delle parole che usiamo.

Ogni lettera ha il suo peso … partiamo dalle vocali!

Innanzitutto dobbiamo sapere quali sono i nostri obiettivi, quanto estesa sarà la nostra comunicazione: ogni lingua ha un’acustica molto precisa.

Concentriamoci solo sulle vocali: ogni lingua usa le stesse cinque vocali e la gamma di suoni varia dal più acuto (i) al più grave (u).

Ogni lingua però si concentra su alcune vocali, alcuni suoni caratteristici.

Dobbiamo averne consapevolezza quando creiamo il nostro nome: conoscere la fonetica sia della lingua parlata nel nostro iniziale territorio di riferimento, sia delle lingue parlate nei territori in cui pensiamo di estendere il nostro mercato in futuro.

Si può parlare per le vocali di una vera e propria valenza simbolica: le vocali acute "i" ed "e", richiamano immagini di leggerezza e alla velocità, ad immagini di forme aspre e hanno un «colore chiaro», mentre vocali gravi "a", "o", "u", evocano l’idea di lentezza e pesantezza, forme arrotondate e, come associazione cromatica, hanno un «colore scuro».

Queste caratteristiche, queste associazioni, possono rivelarsi molto importanti nella creazione del nostro nome: se vogliamo suggerire inconsciamente un’idea di velocità, leggerezza, sceglieremo parole in cui il suono sarà acuto (i, e), se vogliamo richiamare un’idea di calma, un’associazione ad uno stato di relax, sceglieremo suoni più rotondi, gravi (a, o, u).

Questo ci aiuterà a porci subito, al di là della logica, in comunicazione con il target di riferimento.

Un momento fondamentale per la creazione di un nuovo nome è il brainstorming.

È da questa pioggia di idee che nasce l’idea giusta. Nel brinstorming ogni idea viene condivisa, rivista, giocata, alla ricerca di affinarla al punto da pervenire all’idea vincente, che in quanto tale sarà frutto di un pensiero comune.

È un momento collettivo in cui il lavoro di ciascuno eleva alla massima potenza la creatività di tutti.

Nessuna gelosia quindi, nessuna paternità delle idee messe in circolo e nessun timore!

Nel brainstorming tutte le idee, anche le più bizzarre devono avere il loro posto, è un atto in cui si esce dalla logica lineare, per cui un’idea, apparentemente banale, potrebbe innescare il circolo virtuoso dell’associazione di idee che porterà alla costruzione del nostro nome.

Le regole del brainstorming sono definite da Alex Osborn (1942, How To Think Up):

1. Nessuna censura: in questa fase ciascuno deve sentirsi libero di esprimersi e non bisogna valutare le idee … le valutazioni verranno solo dopo!

2. In questa fase la qualità è uguale alla quantità: più saranno le idee prodotte maggiore sarà la possibilità di arrivare a quella giusta.

3. Abbandonarsi dalla libera associazione e intuizione: liberarsi dal pensiero logico, dal percorso lineare, sperimentare il pensiero latente, andare a scavare nell’immaginazione.

4. Non esiste la stupidità: nessuna idea è banale, ciascuna potrebbe guidare verso la strada del successo. “E’ più facile correggere un’idea grezza che crearne una nuova” ("It is easier to tone down a wild idea than to think up a new one.")

Per creare delle animazioni ci occorre una sorta di linea temporale (come Flash) che in questo caso è sostituita dalla proprietà CSS animation.

Bisogna conoscere ed utilizzare @keyframes, dargli un nome e successivamente generare dei passi in percentuale all'interno di questa dichiarazione.

Le @keyframes sono quelle regole che permettono agli elementi ai quali sono applicate di modificare gradualmente nel corso del tempo.

Vediamo un esempio

@keyframes nomeanimazione {
  from ( color: red; )
  35% ( color: green; )
  to ( color: blue )
} 

@-moz-keyframes nomeanimazione /* Firefox */ 
{
  from ( color: red; )
  35% ( color: green; )
  to ( color: blue ) 
}

@-webkit-keyframes nomeanimazione /* Safari e Chrome */
{
  from ( color: red; )
  35% ( color: green; )
  to ( color: blue )  
} 

Le parole from e to corrispondono rispettivamente allo 0% e al 100% della nostra linea temporale. 35%, invece, corrisponde all'intervallo temporale in cui vogliamo che il nostro elenento diventi verde. 

Le altre proprietà di animation sono le seguenti:

animation-name: il nome della nostra nimazione
animation-delay: il ritardo che deve subire l'animazione (default 0) 
animation-duration: il tempo della durata in secondi dell'animazione (default 0)
animation-timing-function: il metodo di interpolazione dell'animazione (accelerazione o decelerazione)  (default ease) 
animation-direction: la direzione dell'animazione  (normal, linear, ecc...)  
animation-iteration-count: quante volte si deve ripetere l'animazione (default 1) 
animation-play-state: se deve partire o meno quando viene mostrata (running o paused)

Supporto browser

@keyframes
Internet Explorer: NO
Mozilla: SI (-moz)
Chrome: SI (-webkit)
Safari: SI (-webkit)
Opera: NO

Vediamo adesso un esempio complesso.
Cambiamo posizione e colore a un quadrato.
(non funziona in Internet Explorer e Opera)

div
{
width:100px;
height:100px;
background:red;
position:relative;
animation-name:myfirst;
animation-duration:5s;
animation-timing-function:linear;
animation-delay:2s;
animation-iteration-count:infinite;
animation-direction:alternate;
animation-play-state:running;
/* Firefox: */
-moz-animation-name:myfirst;
-moz-animation-duration:5s;
-moz-animation-timing-function:linear;
-moz-animation-delay:2s;
-moz-animation-iteration-count:infinite;
-moz-animation-direction:alternate;
-moz-animation-play-state:running;
/* Safari and Chrome: */
-webkit-animation-name:myfirst;
-webkit-animation-duration:5s;
-webkit-animation-timing-function:linear;
-webkit-animation-delay:2s;
-webkit-animation-iteration-count:infinite;
-webkit-animation-direction:alternate;
-webkit-animation-play-state:running;
}
@keyframes myfirst
{
0%   {background:red; left:0px; top:0px;}
25%  {background:yellow; left:200px; top:0px;}
50%  {background:blue; left:200px; top:200px;}
75%  {background:green; left:0px; top:200px;}
100% {background:red; left:0px; top:0px;}
}
@-moz-keyframes myfirst /* Firefox */
{
0%   {background:red; left:0px; top:0px;}
25%  {background:yellow; left:200px; top:0px;}
50%  {background:blue; left:200px; top:200px;}
75%  {background:green; left:0px; top:200px;}
100% {background:red; left:0px; top:0px;}
}
@-webkit-keyframes myfirst /* Safari and Chrome */
{
0%   {background:red; left:0px; top:0px;}
25%  {background:yellow; left:200px; top:0px;}
50%  {background:blue; left:200px; top:200px;}
75%  {background:green; left:0px; top:200px;}
100% {background:red; left:0px; top:0px;}
} 

Qui l'esempio funzionante

E tu hai mai usato le animazioni in CSS3?
Cosa ne pensi? 

Creare un nome non è frutto di una semplice invenzione, oltre alle limitazioni che vengono dalle analisi di marketing e i confini delle proprietà industriali, dovremo confrontarci con le regole intrinseche alla stessa creatività.

Uno dei metodi più conosciuti è il metodo Papsa, elaborato da H. Jaoui 1.

Si tratta di un approccio creativo composto di cinque tappe, ognuna delle quali è costituita da una fase divergente ed una convergente: “Grazie alla fase divergente, si crea un campo sufficientemente aperto che permette una produzione massima di idee senza che queste vengano censurate a priori. Tramite la fase convergente, si riporta all’obiettivo di partenza la ricchezza di idee prodotta precedentemente, si canalizza l’energia liberata in fase divergente, per arrivare ad una o più soluzioni originali, efficaci e realizzabili”.

Vediamo le cinque tappe di questo metodo:

P = percezione: cogliere il problema interamente, con ingenuità, vedere le cose con gli occhi di un bambino da più punti di vista, senza pregiudizi.

A = analisi: scoprire la struttura del problema, analizzare a fondo la situazione, scegliere i parametri di ricerca da seguire. Bisogna scomporre la difficoltà seguendo percorsi diversi, pronti al cambiamento.

P = produzione: immaginare un gran numero di soluzioni. Spesso la creatività viene associata a questa unica fase di produzione di idee, trascurando le tappe di percezione e di analisi, con il rischio di perdere molti sforzi nel trovare idee che poi non risultano efficaci. In questa fase si producono rapidamente molte idee, liberamente, originali, bizzarre o realistiche senza alcuna censura.

S = selezione: è la fase in cui bisogna gerarchizzare e decidere tra le idee elaborate quelle che meglio rispondono ai nostri obiettivi. Vengono selezionate le idee in base a criteri razionali, dando un ordine gerarchico alle idee prodotte. Una grande attenzione va alle idee più originali, concentrare l’energia sul lato positivo delle idee che possono sembrare fuorvianti, per poi poter procedere serenamente ad un esame obiettivo.

A = applicazione: coinvolgere tutti nell’innovazione. In questa ultima fase si deve far applicare le idee scelte riuscendo a “convincere” efficacemente gli interessati, interni ed esterni.

Bisogna trovare i modi per evitare il rifiuto automatico dell’innovazione. Sono processi di gruppo che consentono di trovare il nostro nome vincente!

Come fare quindi a sviluppare il nostro metodo creativo e muoverci all’interno delle indicazioni del marketing?

La creatività deve sottostare a tanti «limiti»: il target , il posizionamento , la concorrenza  … a prima vista sembrerebbe impossibile, ma invece sono proprio i nostri limiti la nostra ricchezza!

Non esiste una creatività senza limiti, sono le regole che danno la direzione da seguire, la rendono produttiva. La nostra creatività non è «artistica» dobbiamo sempre mantener presente il nostro scopo: il successo.

Prendiamo confidenza con la creatività.

Il funzionamento abituale dell’intelligenza, quello dell’apprendimento, è deduttivo, segue un percorso lineare che porta da un passaggio logico a quello successivo in modo relativamente graduale.

Nell’atto creativo, d’invenzione, il funzionamento dell’intelligenza è diverso, segue un percorso non più deduttivo / lineare, ma dialettico divergente / convergente e segue diversi percorsi logici.

Il pensiero creativo affonda le sue radici nel pensiero laterale, una forma di pensiero indipendente da un modello di riferimento, che segue ipotesi a bassa probabilità.

L’elaborazione della soluzione è spesso veloce e intuitiva ma per essere elaborata richiede un percorso complesso che prima diverge e poi converge sulle soluzioni.

Le due fasi sono costituite da momenti diversi.

La fase divergente consiste nella raccolta di idee e informazioni. E’ un momento di ricerca, molto dispersivo, in cui la raccolta di informazioni anche incongruenti è fondamentale. In questa fase si creano schemi mentali nuovi.

È un passo indispensabile per la fase successiva: la convergenza, in cui quel che si è cercato fino ad allora produce un intuizione che spesso è improvvisa e può apparire slegata da ciò che si è raccolto nella fase divergente.

Già l’analisi di queste due fasi ci è stata utile a capire quanto la creatività, l’intuizione, provenga da un attento studio.

È una scintilla di genialità che viene elaborata attingendo da tutto il background culturale di chi la concepisce.

Alcune volte sono suggestioni che provengono da conoscenze, altre volte associazioni tra idee che sembrano logicamente incongruenti!

Il nome è il prodotto finale di un ciclo che è creativo ma che deve sottostare alle regole non solo della creatività. Il processo che porta al successo nasce dal nome.

È il nome la prima freccia che dovrà colpire il target. Per questo non si può sbagliare. Per avere il nome vincente bisogna essere creativi e avere effettuato tutte le analisi di marketing che ci faranno da linee guida nella creazione del nome.

Si possono definire tre assi all’interno delle quali la creatività deve muoversi:

- Marketing: coerenza con il posizionamento del prodotto e con la mission e i valoridell’azienda;
- Linguistica: pronunci abilità, memorabilità, esportabilità del nome;
- Proprietà industriale: disponibilità e difendibilità del marchio e come domain name.

Le strategie della creazione del nome sottostanno ad un processo creativo che ha delle rigide regole interne: vi è la prima fase di condivisione del progetto e definizione degli obiettivi di comunicazione, che dipendono dal posizionamento, dal target, dal mercato, dalla concorrenza.

Si stabiliscono così i limiti entro cui la creatività dovrà muoversi. 

Saltare una delle analisi del mercato e del posizionamento ci priva delle conoscenze di marketing che sono alla base del nostro futuro successo, strumenti essenziali per poter essere creativi.

La fase della creatività si avvale di nuovi strumenti che dovremo imparare a conoscere, come il name storming, il metodo P.A.P.S.A., le logiche associative, analogiche e proiettive, il Creative Problem Solving e il pensiero laterale.

Questi i prossimi passi, le prossime regole da conoscere ...

Ma gli altri? Cosa fanno? E soprattutto come vengono percepiti dai consumatori, dai clienti?

Per conoscere bene quale è il nostro posto e prendere la nostra fetta di mercato non possiamo non conoscere i nostri competitor. Dobbiamo conoscere il nostro posizionamento competitivo.

Per avere ben chiaro a chi dovremo rivolgerci faremo delle vere e proprie mappe di posizionamento: ovvero sceglieremo alcune coppie tra le caratteristiche fondamentali del nostro target, le inseriremo su due assi e ne analizzeremo le combinazioni. Su tali mappe inseriremo i nostri competitor e sceglieremo come agire sul nostro posizionamento.

Come procederemo?

Le target map (mappe di posizionamento) sono strumenti rappresentativi del posizionamento dell’impresa/marchio rispetto a due variabili (Assi della mappa) che devono essere interpretate come le logiche prevalenti che spiegano il comportamento del consumatore.

Facciamo un pratico esempio, se fossimo una società operante nel fashion:
- Individuiamo due coppie di caratteristiche: sportivo/classico; deluxe/economico
- Inseriamo le nostre coppie di variabili sui due assi della mappa
- Inseriamo nei 4 quadranti i nostri competitor: marchio A; B; C; D; E; F

In base all’analisi dei nostri competitor, potremo scegliere quale dovrà essere il nostro posizionamento e iniziare il processo di comunicazione che ci porterà al successo … a partire dal nostro nome!

Per raggiungere il successo, bisogna essere creativi, non solo per creare qualcosa di nuovo, ma per riuscire a manipolare l’immagine del tuo prodotto o servizio nella mente del potenziale cliente e riuscire a ricollegare i nessi, anche simbolici, che già esistono. 

Per fare questo devi lavorare sul tuo posizionamento.

«Il posizionamento è l’intervento sulla mente del potenziale destinatario della comunicazione»

(Ries & Trout, 1981) 

Il posizionamento consiste nel definire la tua immagine in modo da occupare una posizione distinta e apprezzata nella mente del tuo target. Esso corrisponde alla percezione che il cliente ha del tuo prodotto o servizio, sia rispetto al concetto di prodotto ideale, sia rispetto alla concorrenza.

La strategia di comunicazione sarà condizionata dal posizionamento, da qui nasceranno tutte le scelte sulla tua immagine, a partire dal nome della tua azienda o del tuo prodotto.

Lo strumento di posizionamento è la modellizzazione.

Attraverso questo strumento è possibile individuare quali sono le caratteristiche dei prodotti che più vanno incontro al tuo target e al proprio modello di prodotto o servizio ideale.

Come si fa una modellizzazione? 

1.  Scomponi il tuo prodotto/serizio generico in un insieme di attributi
2.  Collega ciascun attributo al bisogno che soddisfa
3.  Individua quali attributi-benefici sono i più importanti per i tuoi clienti 

A questo punto conoscerai i bisogni che devi intercettare attraverso la comunicazione.

Avrai una serie di indicazioni, suggestioni, associazioni di idee utili per creare il tuo nome e la tua immagine.

Regola numero uno

Una buona comunicazione parte da una buona conoscenza del target di riferimento. Non possiamo iniziare una buona comunicazione se non sappiamo chi sono i nostri utenti/clienti e quali sono i loro bisogni, i loro desideri, le loro aspettative. Per poter attrarre il consumatore dobbiamo prima imparare ad ascoltare.

Nella vita e nel successo ogni cosa è relativa e tutto dipende dalle strategie adottate dopo un'attenta analisi del nostro mercato.

Non esiste il nome di successo assoluto … tutto dipende dal nostro target di riferimento.

Con chi abbiamo l’esigenza di comunicare? Chi dovrà essere attratto e convinto a scegliere proprio noi? Sono giovani o adulti? Hanno bisogno di sentirsi sicuri della nostra professionalità o vorranno la certezza che saremo creativi?

Prima di creare il nostro nome dobbiamo fare alcune analisi e porci qualche domanda sul nostro target di riferimento.

Solo se saremo capaci di analizzare con precisione a chi vogliamo rivolgerci potremo trovare la comunicazione giusta, la chiave per entrare in sintonia con il nostro target.

Allora qualche indicazione pratica per capire meglio come conoscere i nostri consumatori:

1.      Analizzare la nostra impresa, quale è il mercato di riferimento?
2.      È fondamentale analizzare il nostro target: le variabili principali su cui concentrarci sono età, sesso, classe sociale, istruzione, reddito.
3.   Identifichiamo il nostro utente/consumatore: quali sono i sui bisogni, il suo immaginario, le sue abitudini di consumo.

Fatta questa analisi preliminare, per poter scegliere il nostro nome di successo dovremo fare una mappa di posizionamento … questa è la regola n.2 che vedremo la prossima settimana!

Se si vuole costruire un nome bisogna pensare anche al posizionamento del proprio servizio o prodotto ... allora la scelta non è semplice! Chi di noi non ha un ricordo associato ad un marchio? Si potrebbe sicuramente fare un gioco: se dico McDonald's tu a cosa pensi? Se dico Nutella?

Alcuni nomi hanno costruito nella nostra mente ricordi, associazioni indelebili ... ma per ottenere questo come si fa?

Il nome è il primo passo verso il successo, la storia delle aziende è piena di esempi di Marchi che hanno portato al successo un prodotto o un servizio. Ma quanti di noi conoscono la storia di quelli più famosi? Alcune storie ci possono dare indicazioni importanti.

l marchio più noto e più forte del mondo (si calcola il suo valore in 70,4 miliardi di dollari) è Coca-Cola, ma sappiamo da dove viene? Coca è un arbusto sudamericano e Cola un estratto della noce di kola. Coca-Cola. Un successo nel sound.
L'idea del nome è dovuta al contabile dell'inventore Pemberton, Frank Robinson. Robinson inventò il marchio sfruttando la sua bella grafia e ne modificò il nome utilizzando la «C» in «Cola». In inglese infatti la Cola si chiamerebbe «Kola».
Quanti sanno che originariamente era una bevanda farmaceutica?
E quanti sanno che il vestito rosso di Babbo Natale è un operazione di marketing della stessa Coca-Cola? In origine vestito di verde un arcigno vecchietto del Polo Nord, diventa paffutello e bonario nel rosso del Marchio Coca - Cola, modificando il nostro immaginario ... ma la storia è lunga e ci stiamo allontanando dalla nostra domanda sui Marchi di successo.

Anche nel web esistono marchi famosi: è impossibile ormai non conoscere Google. Ma anche in questo caso, quanti conoscono le origini del marchio? Il nome del motore di ricerca più famoso del mondo deriva dalla parola del gergo matematico googol che indica la cifra formata da un 1 seguito da 100 zeri. È chiaro il riferimento all'obbiettivo di indicizzare un numero di pagine web enorme. Il nome venne scelto dal nipote di 9 anni del matematico che introdusse l'uso del googol.

E amazon.com? il nome deriva dal Rio delle Amazzoni, uno dei fiumi più grandi al mondo, suggerisce quindi l'idea di grandezza, enormi flussi.

Veniamo ad un grande marchio italiano: Fiat, acronimo di Fabbrica Italiana Automobili Torino. Quanti sanno che è stato apprezzato dal poeta futurista Gabriele D'annunzio? Fiat, è il verbo latino, «sarà fatto».

Abbiamo analizzato la storia di alcuni Marchi di successo.

Possiamo trarre alcune indicazioni importanti che iniziano a segnare un percorso da seguire.

Le criticità generali si possono riassumere in 3 punti:

• efficacia linguistica: suono, è più facile ricordare un Marchio che abbia un bel suono, se è canticchiabile, se è armonioso, memorabilità, impatto, distintività
• coerenza con il brand di riferimento: la sua storia, il suo target, il suo carattere, il suo stile, la sua immagine
• registrabilità del nome come marchio e difendibilità legale: punto fondamentale soprattutto in presenza di molti competitors.

Uno dei pionieri della geolocalizzazione come la intendiamo oggi, è stato Twitter, il servizio di microblogging in grado di geolocalizzare gli utenti e gli argomenti degli stessi, offrendo un elenco di trends divisi per città.

Altri servizi più o meno noti che fanno uso di questo servizio sono Gowalla, Foursquare e Latitude. Si tratta di network sociali basati sulla posizione degli utenti. Alcune attività commerciali, infatti sfruttano un ceck-in virtuale offrendo a chi si trova nelle vicinanze uno sconto o un incentivo all'acquisto.

Perciò mentre alcuni rimangono stupefatti di fronte alla possibilità di comunicare ad amici e parenti la propria posizione, altri restano sbigottiti di fronte a questa "grande fratellata orweliana". E' per questo motivo, dunque, che tutte le applicazioni che ne fanno uso, sono costrette a chiedere all'utente se vuole essere geolocalizzato oppure no.

Ma vediamo come implementare il servizio e come utilizzarlo.

Prima di tutto chiamiamo in aiuto il nostro amico Modernizr  grazie al quale testiamo il supporto alle Geolocation API in questo modo

< script >
if (Moderizr.geolocation) {
// Geolocalizzazione supportata
} else {
// invitare l'utente a inserire in modalità manuale
// un riferimento alla propria posizione geografica
// come ad esempio il CAP
}
< /script>

A questo punto proviamo un primo rudimentale esempio di determinazione delle coordinate geografiche:

< script>
if (Moderizr.geolocation) {
navigator.geolocation.getCurrentPosition(geolocalizzami);
} else {
alert("Geolocalizzazione non supportata dal browser!");
}
function geolocalizzami(position) { 
document.getElementById("lon").innerHtml = position.coords.longitude;
document.getElementById("lat").innerHtml = position.coords.latitude;
document.getElementById("when").innerHtml = position.coords.timestamp;
}
< /script >
< ul >
< li >Longitudine:< span id="lon">-< /span>< /li >
< li >Latitudine:< span id="lat">-< /span>< /li >
< li >Coordinate identificate il < span id="when">-< /span>< /li >
< /ul > 

Longitudine e latitudine non sono le uniche due coordinate accessibili attraverso l'offetto coords.

Ne esistono altre cinque: 

coords.altitude 

Se il dispositivo non riesce ad identificare l'altitudine il valore sarà null.

coords.accuracy
Fornisce un valore reale non negativo calcolato in metri.

coords.altitudeAccuracy
Esprime in metri il livello di precisione dell'altitudine.

coords.heading
Indica la direzione espressa in gradi partendo dal nord geografico e procedendo in senso orario. Se il dispositivo è stazionario il suo valore sarà NaN (Not a Number).

coords.speed
E' la velocità espressa in metri per secondo. Se la velocità è pari a zero, la direzione sarà pari a NaN. 

Se osserviamo gli accessi alle nostre pagine web, infatti, possiamo notare che queste sono visitate sempre più spesso da tablet e da dispositivi mobili.

Grazie quindi al 3G, ed in previsione delle reti 4G in arrivo nel 2016, quindi, i dispositivi mobili vengono considerati il futuro della navigazione web.

Se CSS2, quindi aveva dato la possibilità di utilizzare un foglio di stile diverso ad esempio per la stampa, CSS3 va oltre introducendo le media query: delle dichiarazioni che ci permettono di impostare delle regole differenti a seconda dei dispositivi di destinazione.

Esistono due modi per integrare tali dichiarazioni, ma vediamo velocemente gli esempi.

Metodo 1

< link herf="iphone.css" rel="stylesheet" type="text/css"
media="only screen and (min-width:0px) and (max-width:320px)" >
 
< link herf="ipad.css" rel="stylesheet" type="text/css"
media="only screen and (min-width:321px) and (max-width:768px)" >
 
< link herf="screen.css" rel="stylesheet" type="text/css"
media="only screen and (min-width:769px)" >

In questo modo possiamo utilizzare dei fogli di stile diversi a seconda del dispositivo che visualizzerà la nostra pagina web.

ATTENZIONE!!
Modificando la larghezza della nostra pagina per iPhone, e visualizzandola sul device, ci accorgeremo che il tag width non ha fatto correttamente ciò che gli avevamo chiesto.
Per questo tipo di dispositivi, infatti, dobbiamo fare una piccola modifica al tag head della nostra pagina. Bisogna aggiungere questo codice:

< meta name="viewport" content="width=device-width,
initial-scale=1.0, maximum-scale=1.0, user-scalable=no" />

Metodo 2

Il secondo medoto, del tutto uguale al primo, utilizza la media query all'interno dei fogli di stile. Un piccolo esempio, infatti, ci permette di cambiare il colore di un div al ridimensionamento del nostro browser.

Ecco il codice CSS:

Questo invece l'html:

< div class="wrapper one" >
Quest'area si evidenzierà quando la dimensione 
del tuo browser sarà inferiore a 600px
< / div >

< div class="wrapper two" >
Questo box si evidenzierà quando la dimensione 
del tuo browser sarà superiore a 900px
< / div >

< div class="wrapper three" >
Questo box si evidenzierà quando la dimensione 
del tuo browser sarà compresa tra 600px e 900px
< / div >

< div class="wrapper iphone" >
Questo box si evidenzierà quando la dimensione 
massima del tuo browser sarà 480px (iPhone)
< / div>

Ecco l'esempio. Proviamo a ridimensionare la finestra del browser tenendolo aperto.

Cosa ne pensate?
Utilizzerete le media query nei vostri progetti?

Per questo motivo ho scelto come partner un fotografo d'eccezione: Carlo Orlandi.

Classe 1987, Carlo si specializza nella fotografia dopo essersi innamorato della tecnica lampista grazie a fotografi come Zack Arias, David Hobby, Chase Jarvis e Mark Wallace.

Nella primavera del 2010, Carlo decide di regalare al mondo del web la sua esperienza, realizzando una serie di video nei quali raccoglie e condivide tutto ciò che ha appreso in questo campo.

Nasce dunque, un vero e proprio corso di fotografia fatto da video brevi, pratici e pieni di utili consigli.

Ma prima di riportare e argomentare le esperienze di Carlo, cerchiamo di conoscerlo meglio.

D. Ciao Carlo, parlaci brevemente di te: chi sei e di cosa ti occupi.

R. Ciao Giovanni, un saluto anche a tutti i lettori! Di professione sono un VFX Compositor, mi occupo degli effetti visivi per il cinema e la televisione, come green screen, inserimenti di elementi 3D e correzioni varie.
Sono un grande videogiocatore e posso passare settimane a leggere ininterrottamente. Ho avuto sempre la predilezione per il giornalismo e l'insegnamento, cosa che mi ha aiutato molto con i video di P2L.

D. In che modo ti sei avvicinato al mondo della fotografia, e qual e' stata la prima foto che hai scattato?

R. Fin da piccolo fotografavo, ma con un approccio casuale, per questo non mi è facile dire qual'è la prima fotografia che ho scattato in assoluto. Alcuni anni  fa mi fu regalata la mia reflex, la 450D e avendo pieno controllo sulla macchina fotografica, ho scoperto che avevo sempre avuto questa passione latente. Dopo aver visto One Light Photography Workshop di Zack Arias ho capito in cosa mi volevo specializzare: fotografia da studio e ritrattistica.

D. Playerdue.com, un blog, un forum, un contenitore di esperienze. Dove vuoi arrivare?

R. Con Playerdue.com  voglio costruire una comunità online che non tratti chi si sta avvicinando alla fotografia con superiorità e che anzi fornisca tutte le basi per poter coltivare la propria passione, dando la priorità agli aspetti pratici, per poter poi approfondire gli argomenti una volta che intorno alla fotografia viene dissipato l'alone di mistero.

D. Che progetti hai per il futuro? Come ti vedi tra 5 anni?

R. Ho intenzione di migliorare sempre più Playerdue Lighting, organizzando anche incontri dove poter parlare e scattare fotografie insieme. Un traguardo è quello di trovare uno sponsor che  fornisca le attrezzature per il tempo necessario a fare gli episodi (come recensioni e comparazioni).
Tra 5 anni mi piace vedermi più come un fotografo che come un VFX compositor, con uno studio fotografico un po' più spazioso e un set sempre pronto per girare nuove puntata di P2L e magari anche un po' di ospiti da intervistare!

D. Spesso la gente mi scrive per chiedermi quale macchina fotografica acquistare per fare delle buone foto. Tu cosa rispondi?

R. Una reflex o comunque una macchina fotografica che dia piena libertà nel controllo dei parametri è la chiave per ottenere buone fotografie e sopratutto poter fare progressi. Non c'è bisogno di spendere una fortuna all'inizio e se si vuole spendere, è meglio spendere qualcosa di più sull'obiettivo invece che sul corpo macchina. Attualmente consiglio spesso la Canon 550D o la Nikon D3100 e un buon obiettivo per innamorarsi della ritrattistica è il 50mm f/1.8, che offre un'ottima qualità a un prezzo molto contenuto. Questo ovviamente è il punto di partenza, per fare delle buone foto poi bisogna scattare!

D. Ci regali qualche foto spiegandoci brevemente anche la tecnica che hai utilizzato per ottenerla?

R. Con grande piacere!

Questo è il genere di scatti che più mi piace fare: ritratti con la tecnica lampista. La luce principale è un flash attraverso un ombrello diffusore sulla destra, un flash senza modificatori dietro le modelle (quello che sembra il Sole sulla sinistra) e un riflettore dorato in basso a sinistra.


Lavorando con i flash presto si capisce che il Sole non è altro che un flash sempre acceso e che si possono utilizzare le stesse tecniche, l'unico modificatore qui è un pannello fai-da-te bianco a sinistra che riporta della luce sul volto della modella.

Imparato il comportamento della luce si capisce che non servono modificatori costosi per ottenere il risultato che si cerca. Qui ho infatti utilizzato uno straccio di stoffa bianco per diffondere la luce.

Chi ci ha proposto il questionario potrebbe voler davvero conoscere il nostro pensiero per migliorare i propri prodotti e servizi, ma ciò che otterrà sarà esclusivamente un nostro maggior impegno con il proprio sito.

Ogni volta che esprimiamo, anche se in forma anonima, un nostro feedback positivo, effettuiamo una dichiarazione di gradimento che contribuirà ad aumentare il nostro coinvolgimento emotivo con il sito, e le probabilità che ci rivolgeremo nuovamente allo stesso portale per un nuovo acquisto saranno maggiori.

E più l'impegno è pubblico, più il nostro coinvolgimento durerà e condizionerà quello di altre persone e potenziali acquirenti.

Per rafforzare il livello di impegno, spesso i proprietari dei siti propongono, oltre ai questionari anonimi la possibilità di lasciare un feedback firmato o una recensione.

Le opinioni pubbliche, e le recensioni agiscono dunque sugli altri facendo leva sia sul meccanismo di validazione sociale che su noi stessi.

Dopo aver scritto una recensione positiva, infatti, vorremmo rimanere coerenti con quello che abbiamo fatto ed interagiremo nuovamente con il sito web, con l'azienda, con l'organizzazione, su facebook e twitter, o anche offline per strada con i nostri amici.

E tu cosa ne pensi?
Utilizzi questi strumenti all'interno dei tui siti web?
Quanto credi alle recensioni o ai questionari online?

Modalita' visiva

Strumento di navigazione primario

Addio vecchio Flash

Gli effetti HOVER

Lavorare sui contrasti

Gli spazi bianchi

Javascript e CSS

2 - Aumento della credibilita'

3 - Aumento delle dimensioni dell'ordine

4 - Verifica

5 - Aiuta a non perdere clienti

6 - Aiuta negli spostamenti

7 - Aumento della redditivita'

Capire chi ci visita, quale device e quale software utilizza è fondamentale quando decidiamo di implementare ed utilizzare nuove tecnologie come ad esempio HTML5 e CSS3. 

In linea di massima esistono due grandi soluzioni per ovviare a questo problema: la prima, quella più diffusa e che personalmente sconsiglio è quella dell'analisi delle stringhe User Agent, e la seconda è la cosiddetta feature detection, ovvero un vero e proprio test di supporto sul singolo elemento.

Ecco un esempio di User Agent:
Mozilla/5.0 (Windows NT 5.2; rv:2.0.1) Gecko/20110101 Firefox/4.2.1

L'analisi della stringa User Agent non è la soluzione migliore in quanto per ottenere una identificazione solida occorrono script molto complessi (da rivedere all'uscita di nuove versioni dei browser) e perchè molto spesso i browser mascherano queste informazioni camuffandosi per mantenere l'anonimato.

Ben più efficace dell'identificazione del browser risulta il controllo sulle varie funzionalità mediante oggetti e funzioni.
Per realizzare questi controlli possiamo scrivere del codice JavaScript ad hoc oppure utilizzare la libreria Modernizr.

Tramite semplici controlli Modernizr ci permette di sapere se il browser supporta rgba(), border-radius, transizioni CSS eccetera.
Oltre a questo ci lascia utilizzare tag come header, footer, section, dialog eccetera senza preoccuparci di come vengano interpretati, ad esempio, in IE.

Per farsi un'idea della potenza di Modernizr ci basta sapere che è utilizzata da: Twitter , Burger King , NFL  e dallo Stato del Texas .

Per fare un esempio, se volessimo controllare se il browser supporta il tag video potremmo scrivere una cosa del genere:

if (Modernizr.video) {
   /* video supportato */
} else {
   /* video non supportato */ 
}

Bello, no?

1. Design Viscerale

"è quello che fa la natura" (p. 64). Si tratta di un design semplice, attraente e piacevole indipendentemente dal background culturale. E' legato all'impatto viscerale immediato che si ha nei confronti di un oggetto, piacevole perché ‘affine' alla nostra stessa natura.

"è tutto basato sull'utilizzo" (p. 68). E' l'ambito del design solitamente coperto dall'usabilità. Norman definisce quattro caratteristiche: funzione, comprensibilità, usabilità, sensazione fisica. E' quello trattato nel suo libro "La Caffettiera del Masochista" ("The Design of Everyday Things").

"è legato al messaggio, alla cultura e al significato" (p. 82). Prende in considerazione l'aspetto di significato personale e sociale che un particolare design ha. L'utilizzo di uno stile identificherà un prodotto con la categoria sociale che fa uso di quello stile e si caricherà di significato di conseguenza.

In definitiva possiamo dire che la caratteristica principale di questo stile è quello di portare un soggetto ai suoi minimi termini, eliminando qualsiasi elemento che possa in qualche modo distogliere l'attenzione, creare rumore, dal messaggio che si vuole veicolare. 
Il principio di riferimento diventa quindi un eloquente LESS IS MORE i cui elementi principali diventano:

intesa come assenza di elementi inutili o ridondanti al fine della comunicazione: il contenuto assume un ruolo centrale, e tutto quello che è superfluo o ridondante viene eliminato

per guidare la fruizione dell'utente: margini, allineamento e gerarchia visiva per strutturare il messaggio. I font e le parti testuali assumono interesse visivo, e aiutano l'utente nell'individuare le parti importanti del contenuto

consentendo di separare gli elementi e di focalizzare l'attenzione dell'utente su determinate aree della pagina. Questo è ancora più vero, se agli elementi vengono applicati altri principi di design, quali la proporzione, l'enfasi in modo da definire dei chiari e facilmente distinguinguibili percorsi visivi.

è infatti sbagliato considerare minimalisti solo i siti in cui è stata elimanata del tutto la componente grafica o in bianco e nero. L'importatnte è che questa non distragga dal messaggio centrale che si desidera proporre, ma che aiuti la navigazione dell'utente tra i contenuti del sito.

I contenuti e le notizie riportate in questo articolo sono state tratte dalla rete

La denominazione aziendale, la ragione sociale, o più comunemente il nome della nostra azienda è il fulcro intorno al quale sviluppiamo il nostro core business. Obiettivo principale di tale denominazione è appunto la comunicazione che deve, nel bene o nel male, trasmettere un messaggio sia ai nostri clienti (ovvero ai consumatori dei nostri prodotti) che ai nostri collaboratori (che vanno dai fornitori ai partners, passando per i dipendenti, gli amici e i familiari).
L'universo di persone che entrano o che sfiorano la nostra attività deve essere colpito, abbagliato, stupefatto da tale nome, e dal messaggio comunicativo che questo deve racchiudere.

Quando scegliamo il nome della nostra prossima attività, quindi, la prima cosa che dobbiamo tenere in considerazione è l'evolversi nel tempo (breve o lungo che sia) della stessa. Se la nostra attività assumesse un'importanza ed un potere di mercato che non avevamo studiato potrebbe essere difficile adeguarsi nel modo giusto, essendo legati ad una denominazione che ci potrebbe risultare troppo stretta e che potrebbe non avere quel potere comunicativo di cui avremo bisogno.

Ad esempio, se siamo in procinto di avviare un'attività di ristorazione, o più semplicemente una pizzeria, e se questa magari fosse situata in una piazza importante, il primo nome che potrebbe venirci in mente, di sicuro sarebbe qualcosa del tipo "pizzeria piazza Dante". Pensiamo ora alle conseguenze che tale nome comporterebbe se decidessimo di creare un franchising, o di aprire una catena di pizzerie nella stessa o in altre città d'Italia. Tutte richiederebbero una piazza egualmente intitolata allo stesso autore. 

Sconsiglio, dunque, di usare nomi del tipo "Pizza in Piazza" (la nostra seconda pizzeria potrebbe trovarsi in una comune via), o "Pizzeria Piazza Centrale" o, ancora,"Pizzeria del Corso". E se volessimo invece aprire una caffetteria? Quanti "Caffè degli Artisti" e quanti "Bar Centrale" conoscete? 
Io personalmente, ne conosco diversi!

Questi sono gli esempi classici che faccio quando mi chiedono consigli sul nome da dare alla propria attività, accompagnando e correlando tali giochi di parole con delle serie ed efficaci considerazioni:

pensare in grande

Capita molto spesso di sottovalutarsi, o di sottovalutare ciò che potrebbe essere quello che ancora non è. Tornando al caso del Bar Centrale, anche se avete una certa età o una voglia di mettervi in gioco apparentemente limitata, non lasciatevi persuadere dalla convinzione che non aprirete mai una seconda attività. Come si dice, l'appetito vien mangiando: meglio, quindi, preparare un piatto più grande.

pensare al target e al business collaterale

Non è detto che un'azienda che oggi produce o vende reti ortopediche in futuro non decida di ampliare il suo catalogo prodotti inserendovi anche cuscini, materassi e coperte. Aprire oggi un negozio di cravatte non significa precludere in futuro la vendita di cappelli, berretti, sciarpe e guanti. 
Una ipotetica 'attività informatica chiamata "Hardware Store" che si occupa di vendita ed assistenza di personal computers, potrebbe in un futuro prossimo trovare qualche difficoltà nel proporsi ai propri clienti e nell'imporsi sul mercato come softwarehouse rispetto ad un'azienda titolata, ad esempio, "Easy Tech".

Un potenziale cliente, deciderebbe dunque di affidarsi ad un'azienda con un nome più software e meno hardware per il suo programma gestionale, o meglio ancora, ad un'azienda che nel nome non abbia alcun riferimento.
La famosissima Buffetti, vende accessoristica per ufficio, tavoli, sedie, tagliacarte, borse e postit, ma è famosa per i suoi ottimi e costosi software gestionali, l'intramontabileApple vende sia software che periferiche. E sia Buffetti che Apple, non hanno nel loro nome alcun riferimento ad uno dei prodotti che commercializzano.

Diciamo dunque, che associare un prodotto od un termine descrittivo al nome dell'azienda potrebbe rivelarsi un passo falso in previsione di una evoluzione del proprio core business.

Altre volte, poi, l'evoluzione dei vari settori merceologici può far sì che la nostra denominazione societaria diventi... obsoleta.

Se fino ad ora abbiamo venduto le nostre camice nel nostro rinomato "Nara Camicie" potremmo incontrare qualche difficoltà nel proporci come venditori di pantaloni, scarpe o vestiti da cerimonia.

badare alla pronuncia del nome

Il nostro nome non deve essere frainteso, in nessun caso, e dovrà essere facilmente riconoscibile quando viene pronunciato al telefono. Non devono esistere possibilità di fraintendimenti e ostacoli nella pronuncia del nome di un'azienda, tanto meno quando dovremo pronunciarlo al telefono.

C'è chi opta per le iniziali dei soci o del titolare. Nulla di più sbagliato. Il risultato spesso si traduce in una rivisitazione distorta dello stesso da parte dei clienti, dei fornitori o peggio ancora dei dipendenti stessi.

Pronunciare "Vierre" e sentirsi chiamare "Bierre", dire "Diemme" e sentirsi rispondere "Dienne"  non ci aiuta di certo a rimanere impressi!

Di sicuro non c'è nulla di più imbarazzante che ripetere il nome della propria azienda due volte mentre si sta stringendo la mano ad un potenziale cliente, o clienti che a telefono distorcono la pronuncia della nostra ragione sociale perchè non ricordano come ci chiamiamo, per non parlare poi degli impiegati con leggeri difetti di pronuncia: potrebbero rovinare la nostra azienda! 
Oltretutto, se siamo in presenza di una srl, di una spa, o di una sas, dobbiamo fare in modo che il nome non interferisca in nessun modo con la sigla di appartenenza, e soprattutto sia prescindibile da essa.

Prima di decidere qualsiasi cosa, tuttavia, sarebbe opportuno fare una ricerca presso la Camera di Commercio, all'Ufficio Italiano Brevetti e Marchi per evitare di utilizzare nomi esistenti o che differiscano soltanto per qualche lettera o qualche preposizione della ragione sociale.
Altro suggerimento, è quello di cercare su Internet. Considerando che in questi tempi moderni la presenza sul web è fondamentale, preoccupiamoci di scegliere una denominazione che non sia in uso, o che comunque non sia confondibile con nessun altra.

ricapitolando:

1. il nome deve essere associato al core business nella giusta misura ed in previsione di ampliamenti d evoluzioni;

2. il nome deve essere breve nei limiti del possibile;

3. il nome deve essere mnemonico, facile da leggere e pronunciare sia in italiano che nelle altre lingue;

4. il nome non deve essere offensivo o richiamare concetti blasfemi ed equivocabili;

5. il nome deve poter essere associato ad un elemento reale ed associabile ad esso;

6. è opportuno evitare iniziali ma non giochi di parole, l'importante è che filino: ad esempio Accenture deriva da Accent on the Future e Adidas dal nome del fondatore Adolf (Adi) Dassler; il signor Covone che si occupa di Misurazioni e rilievii Tecnologici potrebbe chiamarsi Comitec.

7. il nome può essere studiato partendo da nomi di personaggi storici o da derivazioni latine e greche, giocando sempre sul proprio core business; 

8. il nome deve essere il più possibile originale e fantasioso.

; -- + ' ( ) = > < @

e le seguenti parole SQL dedicate:

SELECT, INSERT, CREATE, DELETE, FROM, WHERE, OR,
AND, LIKE, EXEC, SP_, XP_, SQL, ROWSET, OPEN,
BEGIN, END, DECLARE 

poi, spiegherò come e perchè.

i database

I DataBase costituiscono il fulcro dei nostri siti web dinamici, pertanto sono la parte più importante e più a rischio dei nostri progetti.

Gli hackers, tuttavia, attratti dalle informazioni (spesso confidenziali) che contengono i database, amano mettersi alla prova per scoprirne i bug (nel migliore dei casi) oppure danneggiarli e rubarne il contenuto.

Esistono diverse tipologie di database, che hanno sviluppato una loro specifica sintassi: i database più conosciuti sono: Access, MySql, SqlServer, Oracle, Interbase, Postgres.

le query

Le query, letteralmente interrogazioni, sono quelle istruzioni che uno sviluppatore usa per leggere, scrivere o eliminare dati ad un a tabella in un database e spesso per passare in visualizzazione il risultato di tali operazioni.

Una query standard è del tipo:

SELECT * FROM TABELLA

che letteralmente sta per "seleziona tutti i campi dalla tabella". E' possibile, tuttavia filtrare la ricerca e renderla pià specifica aggiungendo altre istruzioni ed addirittura ordinarle in un qualsiasi modo:

SELECT CAMPO1, CAMPO2, CAMPO3
FROM TABELLA
WHERE CAMPO2 = 'criterio_ricerca'
ORDER BY CAMPO1 ASC

che letteralmente vuol dire "seleziona CAMPO1, CAMPO2 e CAMPO3 dalla tabella dove il CAMPO2 è uguale a 'criterio_ricerca' ordinando i risultati in maniera crescente per CAMPO1"
e possibile collegare più filtri di ricerca usando le condizioni AND ed OR oppure combinare più query insieme usando la funzione JOIN.

Ora, chi legge questo articolo per trovare una risposta agli attacchi SQL e CODE injection, non deve pensare che io sia andato fuori tema, oppure non deve considerare quanto detto fino ad ora come un inutile prologo o una pesante introduzione: quanto detto fino ad ora è di fondamentale importanza per capire come avvengono gli attacchi e come prendere le dovute precauzioni.

attacchi di tipo injection

Il principio fondamentale su cui si basa questo tipo di attacchi è molto semplice, e lo si legge già nella parola che li contraddistingue: injection vuol dire "iniezione", introduzione, cioè di codice esterno attraverso istruzioni SQL.

Ma come si fa ad introdurre del codice attraverso le pagine web? 
E' molto più semplice di quanto si possa pensare: nelle aree di testo dove inseriamo le keys per effettuare una ricerca, nel form di autenticazione di un sito. 

Si possono addirittura introdurre pagine intere di codice dannoso sfruttando ad esempio i form di upload per caricare le foto o i files ed ultimo, ma non ultimo attraverso gli indirizzi URL.

sql injection

Immaginiamo uno scenario classico dove attraverso uno script stiamo cercando dei dati in un database: partiamo dunque da una TextBox nel quale abbiamo inserito la parola "pippo" per cercare tutti gli utenti con quel nome:

<%
dim camponome 'dichiaro la variabile
camponome = Request.Form("camporicerca")
 'recupero la parola chiave inserita dall'utente

sql = "SELECT * FROM TABELLA WHERE NOME = " & camponome & " "
set RS = conn.Execute(sql) 'eseguo l'istruzione SQL
%>

In esecuzione la query eseguita sarà:

SELECT * FROM TABELLA WHERE NOME = PIPPO

Ma cosa succederebbe se l'utente inserisse al posto di 'pippo' l'istruzione "; DROP TABELLA;" ?

In esecuzione la query diventerebbe:

SELECT * FROM TABELLA WHERE NOME = ; DROP TABELLA;

in pratica avremo come risultato tutti quei campi che hanno come campo nome un valore vuoto e avremo cancellato la tabella chiamata TABELLA.

E' possibile usare questo sistema per aggiungere valori alla tabella, per cancellarla, per svuotarla e per far risultare vere istruzioni che non lo sono, riuscendo così ad accedere alle aree riservate del sito.

Va detto tuttavia, che non è semplicissimo per un hacker usare questo tipo di attacco per due motivi fondamentali: innanzitutto bisognerebbe che l'attacker conoscesse i nomi delle tabelle del nostro database, e poi, che avesse gli opportuni permessi per agire.

Per proteggerci da questo tipo di attacchi, comunque, è sufficiente filtrare i codici in entrata attraverso una funzione che possiamo scrivere, includere nelle pagine e richiamare ogni volta che ci serve.
Utilizzeremo la funzione, non soltanto per questo tipo di attacco, ma ogni volta che riceveremo dati in ingresso, per "pulirli" e per stare in pace con la coscienza!

<%
Function FixSQL(stringa) 
    stringa = Replace(stringa, "'", "''") 
    stringa = Replace(stringa, "%", "[%]") 
    stringa = Replace(stringa, "[", "[[]") 
    stringa = Replace(stringa, "]", "[]]") 
    stringa = Replace(stringa, "_", "[_]") 
    stringa = Replace(stringa, "#", "[#]") 
FixSQL = stringa 
End function 
%>

In questo modo, tornando all'esempio precedente:

<%
camponome = FixSQL(Request.Form("camporicerca"))
%>

Nell'esempio abbiamo filtrato solo alcuni caratteri, ma sarebbe opportuno creare una funzione in grado di filtrare tutti i caratteri SQL dedicati (alcuni dei quali li abbiamo visto all'inizio) e tutte le parole che potrebbero compromettere i nostri database.

Questo discorso è validissimo anche se parliamo di URL con variabili di pagine dinamiche. 

In questo caso i dati non vengono presi dal form in entrata, ma direttamente dall'URL: non è l'utente ad effettuale la ricerca, ma siamo noi, in prima persona a passare le variabili.

Facciamo un esempio concreto: supponiamo di aver realizzato una pagina news.aspcon un elenco di notizie prese dal database. 

Per comodità abbiamo deciso di mostrare solo i titoli, e cliccandoci sopra andremo in una pagina dedicata con la notizia per intero:

<%=titolonotizia%>

che in visualizzazione sarà:

Pippo vince alla lotteria

L'utente cliccando su "Pippo vince alla lotteria" andrà in questa pagina:

http://www.miosito.it/pag.asp?id=186

All'interno di quella pagina noi raccoglieremo il dato attraverso l'istruzioneRequest.QueryString e poi effettueremo una ricerca nel database:

<%
dim idnews 'dichiaro la variabile
idnews = Request.QueryString("id") 'recupero il valore passato in querystring

sql = "SELECT * FROM NEWS WHERE ID = " &idnews& " "
set RS = conn.Execute(sql) 'eseguo l'istruzione SQL
%>

In esecuzione la query eseguita sarà: 

SELECT * FROM NEWS WHERE ID = 186

Ma cosa succederebbe se manipolassimo la query aggiungendo ad esempio "+ 1" all'URL?

In esecuzione la query diventerebbe: 

SELECT * FROM NEWS WHERE ID = 186 + 1

Il sistema restituirebbe la news con ID = 187, e il nostro codice sarebbe tutt'altro che sicuro. 

Proviamo a pensare a cosa succederebbe se l'URL venisse manipoato nel seguente modo:

http://www.miosito.it/pag.asp?id=186 union select nomeutente, password from logintable

Ammesso che la tabella contenente i dati di accesso si chiami logintable ed i campi di accesso si chiamino nomeutente e password, verrebbe stampato a video anzichè la news che ci aspettiamo i dati di accesso alla nostra area riservata. 

A quel punto, possiamo aspettarci qualsiasi cosa!

Infine, per concludere il capitoletto sulle iniezioni dannose, proviamo a fare su google la seguente ricerca, scriviamo:

inurl:it/upload filetype:asp

Abbiamo appena detto a Google di cercare tutte quelle pagine in ASP (filetype:asp) nel cui URL ci sia it/upload (inurl:it/upload).

Ora sappiamo che solitamente la cartella UPLOAD la si usa per caricare foto, video, documenti ed altro, e per questo motivo possiede i permessi in scrittura. 

Se noi quindi abbiamo realizzato una pagina che permette all'utente di caricare online il proprio curriculum vitae tale pagina userà un file che andrà a scrivere nella cartella UPLOAD il curriculum vitae caricato.

Ora pensiamo che invece di un curriculum vitae, un attacker carichi online una pagina web ASP o ASPX che recuperi dinamicamente tutte le informazioni relative al nostro database, i percorsi, le tabelle, i permessi, e tutto il resto.

Gli avremmo dato, in questo modo non soltanto il pieno controllo del nostro sito web, ma addirittura il controllo su tutti i siti web presenti sul server.

Per evitare tutto questo usiamo i soliti controlli, e prima di memorizzare o di uploadare qualsiasi cosa assicuriamoci che l'estensione del file sia esattamente quella che deve essere.

Controlliamo ad esempio che:

<%
if right(nomefile,4) <> ".jpg" then
response.write "Il file che stai cercando di caricare non è un'immagine."
response.write "Puoi caricare solo files con estensione .jpg"
response.end
end if
%>

xss: cross-site scripting

Meglio conosciuto come script injection o code injection consiste nell'introdurre nelle pagine dei nostri siti web (sia statici che dinamici) script in javascript, o VBScript in grado di alterare il comportamento di una pagina web.

Ma passiamo alla pratica: abbiamo il nostro blog, con i commenti degli utenti. Immaginiamo che un utente invece di scrivere il commento inserisca qualcosa del tipo:

location='http://www.nostrosito.it/';

In questo modo, chiunque aprirà i commenti del nostro articolo sarà reindirizzato verso si sitoweb www.nostrosito.it

Questo esempio, che a prima vista sembra poco dannoso, può essere sfruttato ad esempio per reindirizzare gli ignari visitatori presso una pagina del tutto simile a quella originale, ma che in realtà è in grado di leggere e memorizzare i cookie rilasciati dagli utenti, che li può spingere a riautenticarsi memorizzando nome utente e password, a lasciare il proprio indirizzo e-mail e chi più ne ha più ne metta.

Per difenderci da questi attacchi, la soluzione più semplice è qella di conrollare sempre il contenuto proveniente dall'esterno ed assicurarci che non ci siano tag o caratteri speciali che potrebbero compromettere le nostre pagine web.

Facciamo riferimento alla funzione injectionControl:

<%
Function injectionControl(str)
   Dim tmpstr ' variabile temporanea
   tmpstr = str 'valore parametro della funzione

   tmpstr = replace(tmpstr, "", "") 'elimino il tag
   tmpstr = replace(tmpstr, "", "") 'elimino il tag

   injectionControl = tmpstr 'restituisco l'output della funzione
End function
%>

In questo modo abbiamo banalmente elimintato i tag  e  presenti nel codice esterno.

Naturalmente, per la serie "i controlli non sono mai troppi", possiamo attraverso javascript, o codice lato server intervenire addirittura prima ancora di salvare o inviare i dati.

Se ci aspettiamo un input numerico, ad esempio potremmo usare la funzione ASPisnumeric() o controllare una mail attraverso una RegExp

Attenzione!!!

I contenuti riportati in questo articolo non vogliono in nessun modo esortare i lettori a provare ad attaccare siti ed applicazioni web.
Lo scopo, infatti, è quello di rendere sviluppatori ed utenti consapevoli dei rischi cui si può incorrere navigando in internet.
Il linguaggio tecnico dell'articolo fa riferimento al linguaggio server ASP, ma vale per tutti gli altri linguaggi di programmazione comuni.
Gli spunti e gli esempi, oltre che dall'esperienza personale, sono stati tratti dalla rete.

Il programma di scatto è la modalità pratica con cui la fotocamera consente di gestire le coppie tempo/diaframma. 
Qualsiasi reflex è dotata almeno dei seguenti programmi di scatto: programmato (P), a priorità di tempi (Tv), a priorità di diaframmi (Av), manuale (M). 

In modalità programmata, la fotocamera sceglie sia tempo sia diaframma, lasciando però al fotografo la possibilità di sovra o sotto-esporre e di cambiare la coppia tempo/diaframma impostata. Tipicamente, la pressione a metà corsa del pulsante di scatto attiva l'esposimetro, che propone una coppia tempo/diaframma "centrale"; ruotando la ghiera principale in un senso o nell'altro ci si sposta verso i due estremi della scala. É un programma generico, valido per le occasioni più comuni. 

In priorità di tempi, il fotografo sceglie il tempo di posa a priori, e la macchina regolerà il diaframma di conseguenza (a patto ovviamente che sia possibile). É la modalità migliore per concentrarsi sul movimento del soggetto, sia che lo si voglia evitare (utilizzo di tempi brevi con soggetti in movimento per evitare il mosso) o evidenziare (utilizzo di tempi lunghi per un "panning"). 

In priorità di diaframma, al contrario, il fotografo sceglie il valore di apertura e la macchina, di conseguenza, il tempo. Controllando l'apertura, e quindi la profondità di campo, questa è la scelta più indicata quando l'area che risulterà a fuoco è essenziale, ad esempio per ritratti e paesaggi. Tutti questi programmi consentono, oltre alla scelta della coppia, di effettuare un'eventuale compensazione dell'esposizione. 

In modalità manuale, infine, il fotografo sceglie manualmente sia tempo che diaframma, mentre la fotocamera da solo un'indicazione di quanto si è lontani dal valore che lei ritiene corretto - tipicamente tramite un indicatore che si muove su una scala a zero centrale. Il lato destro della scala, compensazioni positive, corrisponde a sovraesposizioni. Ad esempio, passare da 250 - f/4 a 125 - f/4 o da 250 - f/4 a 250 - f/2.8 equivale a sovra-esporre di 1 stop. Viceversa per il lato sinistro della scala.
La modalità manuale, in generale poco pratica, ha il pregio di consentire scatti molto sovra o sotto-esposti, mentre la compensazione dell'esposizione utilizzabile con altri programmi è in molti casi limitata a ± 2 stop; inoltre, non variando automaticamente né tempo né diaframma, consente di effettuare misurazioni con diverse inquadrature e ricomporre l'immagine senza perdere l'impostazione originaria, come spiegato a proposito degli esposimetri a media e dei controluce. 

Le compatte, e anche molte reflex, oltre a questi programmi di scatto ne aggiungono spesso molti altri, specifici per determinate situazioni (spiaggia/neve, notte, compleanno, fuochi artificiali, ritratto, paesaggio ecc). Questi hanno lo scopo di semplificare la vita al fotografo ma, in termini di possibilità di scatto, non aggiungono nulla ai 4 programmi principali appena citati; in effetti, non fanno altro che applicare sommariamente i pochi concetti base fin qui esposti. Ad esempio, il programma spiaggia/neve effettuerà una sovraesposizione (sfondo chiaro equivale a controluce), notte utilizzerà i tempi più lunghi a disposizione, altrimenti inibiti dalle compatte per evitare il mosso accidentale, ritratto utilizzerà una coppia con diaframma aperto e così via. 

Tornando per un attimo all'analogia del bicchiere da riempire d'acqua, la sensibilità rappresenta la dimensione di quel bicchiere. Alta sensibilità significa che sarà necessaria meno luce per ottenere la giusta esposizione. La sensibilità si misura in ISO, e i valori più comuni sono: 50, 100, 200, 400, 800, 1600, 3200 ISO. Passando da una sensibilità alla superiore, la luce necessaria si dimezza, il che equivale a dire che sarà necessario uno "stop" in meno. 

ISO                      100       200      400       800     1600 
Tempo              15         30        60       125       250 
Diaframma        f/4         f/4        f/4        f/4         f/4 

Supponendo di avere montato un obbiettivo di apertura massima f/4, passare da 100 ISO a 1600 ISO significa passare da 1/15 di secondo - cioè una foto quasi sicuramente mossa se non si utilizza un cavalletto - a 1/250 di secondo, un tempo di tutta sicurezza.Sembrerebbe, quindi, che utilizzare alte sensibilità sia sempre consigliabile. In realtà, all'aumentare della sensibilità aumenta anche il "rumore" elettronico presente nella foto, che ne peggiora drasticamente la qualità. In linea di massima, la sensibilità va quindi regolata sul valore minimo che garantisca di poter utilizzare il tempo di sicurezza. 


100 ISO 


3200 ISO 

Un particolare di due immagini scattate a sensibilità diverse (100 e 3200 ISO) con una EOS 10D. Notate come, nell'immagine a 3200 ISO, la rosa appaia molto "sgranata".

Abbiamo accennato al fatto che, anche in presenza di soggetti immobili, come un paesaggio, esiste un tempo massimo "di sicurezza" che non è consigliabile superare senza l'ausilio di un cavalletto per via dell'inevitabile tremolio delle mani del fotografo (il cosiddetto "micromosso"), che in foto produce una perdita di nitidezza molto simile a quella prodotta da una messa a fuoco sbagliata. Tale tempo di sicurezza dipende ovviamente dalla "mano" del fotografo, ma anche (e questo vale per tutti) dalla lunghezza focale. Utilizzando un teleobbiettivo, il problema del micromosso è maggiore, perché inquadrando un soggetto a distanza maggiore, lo stesso tremolio delle mani produrrà un effetto più evidente. Come regola generale, si indica a volte nei corsi di fotografia di utilizzare un tempo massimo che è l'inverso della focale, ad esempio non più di 1/60 se si utilizza un 60 mm, non più di 1/300 se si usa un 300mm. É una regola probabilmente troppo severa, ma rende l'idea.

Una funzione evoluta presente sulle fotocamere prosumer e molto utile è la cosiddetta esposizione a forcella, o "bracketing". Attivando questa opzione, la fotocamera, alla pressione del pulsante, scatterà non una, ma tre foto in rapida successione, con diversi valori di esposizione: una con l'esposizione suggerita dell'esposimetro, una sovraesposta e una sottoesposta di una quantità impostata dal fotografo. É una buona soluzione da utilizzare quando si è incerti della lettura esposimetrica o per la foto "importante" che non si può assolutamente sbagliare. In genere, le fotocamere attuali ammettono bracketing di ±2 stop con incrementi di 1/2 o 1/3 di stop. A seconda del programma impostato, la fotocamera modificherà il tempo (se si lavora a priorità di diaframmi), il diaframma (se si lavora priorità di tempi) o entrambi. 
I modelli più sofisticati consentono anche di effettuare il cosiddetto bracketing sulla sensibilità, mantenendo la coppia tempo/diaframma e variando la sensibilità.


L'impostazione di una esposizione a forcella con una EOS. Le due tacche in corrispondenza di ±1 stop indicano che il fotografo ha impostato un bracketing di questa entità.






Il risultato di un bracketing da 1/3 di stop. 

Dalla teoria alla pratica 

Ora che conosciamo tutte le regolazioni essenziali della nostra fotocamera, vediamo come mettere in pratica quello che abbiamo imparato con la preparazione "virtuale" dei nostri primi scatti.

Prima di iniziare la sessione di scatto vera e propria, è necessario regolare alcuni parametri generici. Impossibile dare un'indicazione precisa vista la quantità di modelli in commercio, ma in genere queste regolazioni preliminari si effettuano tutte accedendo al menu principale. Qui mostriamo, a titolo di esempio, i menu delle fotocamere EOS, comunque indicativi anche per reflex di altre marche. 

La qualità di registrazione dell'immagine è senz'altro uno dei più importanti. Qualsiasi fotocamera mette a disposizione un certo numero di possibilità, permettendo di intervenire su risoluzione e livello di compressione JPEG. Nel caso delle EOS, ad esempio, ci sono varie combinazioni tra tre risoluzioni (Large, Medium e Small) e due livelli di compressione, oltre al formato RAW...

Ovviamente, maggiore è la qualità impostata e minore sarà il numero di foto registrabili a parità di capienza della scheda di memoria. A titolo di esempio, su una scheda da 1 GB, una EOS 20D da 8 Mpixel può registrare circa 250 foto alla massima qualità JPEG, un numero tutt'altro che trascurabile. Considerato ormai il prezzo abbordabile delle memoria da 1 GB, non ci sono molte ragioni per impostare una qualità diversa dalla massima, almeno per le foto da stampare.

Una di queste ragioni, probabilmente l'unica rimasta, è la velocità: alla massima qualità il tempo di scrittura sulla memory card sarà maggiore (specie se si utilizza una scheda di memoria non velocissima), e di conseguenza il ritmo a cui si può scattare sarà ridotto. La scelta di una risoluzione inferiore può quindi essere una buona soluzione qualora si voglia scattare "a raffica".

La modalità di messa a fuoco è un altro parametro da regolare. Due, solitamente, le modalità disponibili: singolo e continuo. Nel caso delle EOS, la modalità singola si chiama One-Shot, ed è la modalità più adatta a soggetti fermi. La modalità continua, che Canon chiama AI-Servo, segue i soggetti in movimento: mettendo a fuoco un soggetto, questo verrà "inseguito" se dovesse avvicinarsi o allontanarsi dal fotografo; funziona al meglio con soggetti in movimento a velocità circa costante, dalle traiettorie prevedibili (ad esempio un auto su un circuito). Sulle EOS è poi a volte presente una terza modalità, AI-Focus, che passa automaticamente dall'una all'altra quando si accorge che il soggetto sta iniziando a muoversi; è la scelta più adatta per fotografare soggetti dal movimento imprevedibile (ad esempio un bambino che gioca).



La scelta della modalità di messa a fuoco tramite ghiera su una EOS 33V. La modalità di selezione può variare in funzione del modello. La freccia indica il selettore per la messa a fuoco manuale, sul corpo dell'obbiettivo.

La sensibilità ISO, come già detto, dovrebbe essere impostata al valore più basso possibile, compatibilmente con l'esigenza di ottenere tempi di scatto che evitino il micromosso. Nella maggior parte dei casi, valori fino a 400 ISO danno buoni risultati, mentre valori superiori sono "a rischio" di degrado della qualità dell'immagine, specie con fotocamere compatte - quindi con sensore di dimensione ridotta - da 8 Mpixel e oltre. Maggiore la risoluzione del sensore a parità di dimensioni, infatti, maggiore sarà il problema del rumore ad alta sensibilità.



Essendo un parametro da modificare con una certa frequenza, sui corpi macchina più sofisticati è presente una regolazione veloce della sensibilità, che non costringe a entrare nel menu di impostazione.

Ultimo parametro da regolare, il bilanciamento del bianco. Come noto, il sensore reagisce diversamente alla luce, a seconda della sua lunghezza d'onda. Noi non ci accorgiamo di questa differenza perché il nostro cervello effettua una sorta di compensazione automatica, facendoci percepire gli oggetti bianchi sempre bianchi a prescindere dalla luce che li illumina, ma per le fotocamere non è così. Il tipo di luce viene classificato in base alla sua temperatura colore, in una scala che si misura in gradi Kelvin (K) e va (per quanto concerne la fotografia) da circa 3000K (luce artificiale delle lampadine a incandescenza) a 7000K (cielo nuvoloso e zone d'ombra). Il centro di questa scala può essere considerato 5500K, temperatura della luce solare a mezzogiorno. A basse temperature prevalgono i rossi, ad alte temperature prevalgono i blu. Se tarassimo la macchina fotografica per 5500K e fotografassimo alla luce di una lampadina, tutto apparirebbe giallo/rossastro; se fotografassimo all'esterno, all'ombra, tutto apparirebbe azzurro. 

É compito del fotografo impostare la macchina per la giusta temperatura, e questo può essere fatto in 3 modi: impostando il bilanciamento automatico, scegliendo un preset o manualmente. L'uso del bilanciamento automatico non richiede particolari commenti, se non che ogni fotocamera ha i suoi punti deboli, e non sempre il bilanciamento automatico fa il suo lavoro a dovere
. Ad esempio, il bilanciamento automatico con le EOS 10D e 20D in presenza di luce a incandescenza restituisce dominanti rosse. 

Più faticosa, ma generalmente preferibile, la scelta di un preset. Alcuni preset tipicamente presenti sono: sole, giorno (5500K); ombra (7000-7500K); cielo nuvoloso, crepuscolo, tramonto (6000K); neon, luce fluorescente (4000K); luce a incandescenza, tungsteno (3000K). Purtroppo, nemmeno con i preset si riesce sempre a ottenere il risultato desiderato. Si pensi ad esempio alla luce al neon: esistono neon con temperature colore molto diverse tra loro, e una generica impostazione "neon", tipicamente tarata a 4000K, non può soddisfare tutte le esigenze. 

In alcuni casi le fotocamere sono allora dotata di un bilanciamento personalizzato, che consiste nel fotografare un soggetto bianco (una parete, un foglio di carta) e di impostare il bilanciamento personalizzato indicando alla fotocamera quella foto scattata alla parete o al foglio di carta come bianco di riferimento. Avendo un "vero" bianco, la fotocamera effettuerà automaticamente le regolazioni necessarie. 


L'impostazione del bracketing sul bilanciamento del bianco con una EOS 20D

Bracketing sul bilanciamento del bianco 

Analogamente a quanto indicato a proposito del controllo esposizione, è possibile con alcuni modelli effettuare più scatti variando il bilanciamento del bianco. In questo caso, allo stesso scatto verranno applicate dalla macchina fotografica tre impostazioni diverse. Il tempo di scatto sarà quello di una sola foto, ma l'occupazione in memoria sarà ovviamente pari a tre foto diverse.

Conclusioni

Con questo si conclude la panoramica sui concetti di base della fotografia e sul principio di funzionamento di una fotocamera moderna. I concetti fondamentali sono pochi, ma noti questi pochi concetti, e con un po' di fantasia e di sperimentazione si possono ottenere splendidi risultati. Prossimamente su queste pagine passeremo a illustrare alcune diffuse tecniche di ripresa.

Autore: Nicoletta Ghironi

Lo scopo del fotografo è impressionare correttamente la pellicola (o il sensore), cioè far arrivare sulla pellicola o sul sensore la giusta quantità di luce. 
Qualsiasi macchina regola la quantità di luce che raggiunge sensore o pellicola tramite iltempo di posa, o tempo di apertura dell'otturatore, e l'apertura del diaframma, una sorta di "pupilla" contenuta all'interno dell'obbiettivo che può essere aperta o chiusa per permettere il passaggio di più o meno luce. 
Immaginate di avere un bicchiere d'acqua da riempire fino all'orlo. 
In questo esempio, l'acqua equivale alla luce, il tempo in cui tenete aperto il rubinetto corrisponde al tempo di posa (o, brevemente, "tempo") e l'apertura del rubinetto equivale all'apertura del diaframma. 
É intuitivo che si può ottenere lo stesso riempimento, cioè la stessa esposizione, sia con tempi brevi e ampie aperture che, viceversa, con tempi lunghi e aperture più piccole. In entrambi i casi, la foto apparirà esposta correttamente, cioè ricca di dettagli sia nelle zone più chiare sia nelle zone più scure, ma il risultato finale sarà molto diverso. 
Tempi e diaframmi influenzano infatti due aspetti fondamentali della fotografia, vale a dire il movimento e la porzione di immagine che risulterà a fuoco (la cosiddetta profondità di campo). Il lavoro del fotografo consiste allora nello scegliere, tra le numerose possibilità, l'accoppiata tempo-diaframma che più si addice ai suoi scopi.

L'unità di misura del tempo è ovviamente il secondo. 
In fotografia, un tempo tipico di posa dura una frazione di secondo, ad esempio 1/125 di secondo. Per brevità quindi si indica a volte solo il denominatore della frazione, lasciando gli apici solo ai secondi interi. Così 1/125 di secondo si scriverà 125, 4 secondi si scriverà 4" ecc.

Con queste convenzioni, una scala di tempi indicativa è la seguente: 

1 | 2 | 4 | 8 | 15 | 30 | 60 | 125 | 250 | 500 | 1000 

L'estensione di questa scala dipende dalla fotocamera in uso; esistono modelli che arrivano a 30 secondi a un estremo della scala e a 1/8000 di secondo all'altro estremo, ma quelli qui indicati sono pressoché comuni a tutte le fotocamere. Notate che i tempi sono sempre (all'incirca) uno il doppio dell'altro.


tempo lungo


tempo breve

A confronto gli effetti di un tempo di posa lungo e breve. Notate come, col tempo breve, siano distinguibili i singoli spruzzi d'acqua, mentre col tempo lungo questi disegnino una scia, dando un effetto del tutto diverso.

La scelta del tempo è legata al concetto di movimento del soggetto. In generale, un soggetto mosso è indesiderabile, quindi sarà necessario utilizzare un tempo abbastanza breve da "congelarlo", un lasso di tempo cioè durante il quale il soggetto non si muova apprezzabilmente. 
Per dare qualche esempio, con 1/125 si fotografano tranquillamente persone e gruppi; con 1/250 si possono fotografare soggetti in movimento, ad esempio una modella che si muove su un set; 1/500 basta per soggetti come bambini che giocano, mentre con1/1000 si possono fotografare eventi sportivi già "difficili" (l'attaccante al momento del tiro, l'auto all'uscita dalla curva). Tempi più brevi sono strettamente necessari in rarissimi casi, ad esempio nel caso di oggetti molto veloci che si muovono perpendicolarmente all'osservatore, ma possono naturalmente essere utilizzati per ottenere la giusta apertura del diaframma (ricordate sempre che è una regolazione a due parametri). Tempi più lunghi si possono sempre utilizzare, ma richiedono via via più attenzione. Anche nel caso di un soggetto immobile, infatti, si corre il rischio che la foto venga "mossa" a causa del tremolio delle mani del fotografo. Esiste quindi un "tempo di sicurezza" oltre il quale non è mai consigliabile andare, a meno di utilizzare un cavalletto. Torneremo tra poco sul concetto di tempo di sicurezza.

Non sempre, però, il "mosso" è una componente negativa delle foto: può essere anche voluto, ad esempio per creare un effetto di "panning" o per fotografie notturne con le scie luminose lasciate dai fari delle auto. In questo caso, munitevi di cavalletto e via con tempi molto lunghi, anche diverse decine di secondi.


panning

Un esempio di "panning". In questo caso, il fotografo ha impostato un tempo volutamente lungo e ha seguito con l'obbiettivo il soggetto al centro, che quindi appare grossomodo "fermo" mentre lo sfondo sembra scorrere sotto di lui.

L'apertura del diaframma non viene misurata in millimetri, come sembrerebbe ovvio, ma dal numero adimensionale "f", dato dal rapporto tra la lunghezza focale dell'obbiettivo utilizzato, espressa in mm, e il diametro del diaframma, sempre in mm. Questa apparente complicazione è giustificata dal fatto che, in questo modo, si elimina la scomoda dipendenza tra la luce che attraversa un obbiettivo e le sue dimensioni fisiche. Così, a un determinato valore di "f" corrisponde sempre la stessa quantità di luce, che si utilizzi un grandangolo o un teleobbiettivo estremo. Notate che, essendo il diametro al denominatore della frazione, a numeri "f" elevati corrispondono piccole aperture, e quindi una ridotta quantità di luce che raggiungerà la pellicola o il sensore. 

Una scala di diaframmi indicativa è la seguente:

32 | 22 | 16 | 11 | 8 | 5.6 | 4 | 2.8 | 2 | 1.4 | 1

Questi valori, apparentemente strani, sono stati scelti in modo tale che, passando dall'uno all'altro a parità di tempo di posa, la luce che raggiunge il sensore raddoppia o dimezza. Ad esempio, con la coppia 125 - f/8 passerà la metà della luce che passa con la coppia 125 - f/5.6, un quarto di quella che passa con 125 - f/4, ecc. 

Anche l'estensione di questa scala dipende dalla fotocamera (nel caso delle compatte) o dall'obbiettivo utilizzato (nel caso di reflex a obbiettivi intercambiabili). L'apertura maggiore, cioè il numero più basso di "f", è la luminosità massima, un dato molto importante. Un obbiettivo molto luminoso consentirà di scattare foto anche in condizioni di illuminazione peggiori di uno poco luminoso, ed è quindi più pregiato. Purtroppo, questo pregio si può pagare molto caro: a titolo di esempio, un 300mm f/4 costa tipicamente meno di €2000 mentre un 300mm f/2.8 della stessa marca e di pari qualità arriva a €6000!


85mmFD - Un obbiettivo a messa a fuoco manuale, in cui si vede l'indicazione della profondità di campo in piedi (verde) o metri (bianco) in funzione della scelta del diaframma

La scelta del diaframma è legata al concetto di profondità di campo. Tanto maggiore è "f", tanto più ampio sarà l'intervallo di distanza dalla macchina entro cui i soggetti risulteranno a fuoco. Anni fa, sui corpi degli obbiettivi a messa a fuoco manuale, era indicata la profondità di campo in metri; il fotografo poteva quindi sapere, prima dello scatto, che un dato diaframma avrebbe prodotto ad esempio soggetti a fuoco tra 3 e 5 metri di distanza, mentre passando al diaframma più chiuso avrebbe messo a fuoco tutto quello che era compreso tra i 2,5 e i 9 metri di distanza. Ora questa informazione non è più indicata, ma alcuni modelli consentono di controllare visivamente la profondità di campo prima dello scatto.


diaframma aperto


diaframma chiuso

Utilizzando un diaframma aperto, ad esempio 100mm - f/2.8, si avrà a fuoco solo il soggetto principale mentre utilizzando diaframmi chiusi si avrà a fuoco anche lo sfondo.

Detto questo, la scelta del diaframma è intuitiva. Ad esempio, nel caso di panorami si dovranno preferire diaframmi chiusi, per avere a fuoco il più possibile, mentre nel caso di un ritratto può essere interessante sfocare leggermente lo sfondo - quindi utilizzare diaframmi aperti - per dare maggior risalto al soggetto.


ritratto in un paio di occhiali con diaframma aperto 

Un strano "ritratto", esempio di ciò che si può ottenere potendo scegliere il valore del diaframma (in questo caso molto aperto).

Ora che conosciamo tempi e diaframmi, facciamo un passo avanti e iniziamo a parlare di coppie tempo-diaframma. Supponiamo di sapere che, in determinate condizioni di luce, scattando con un trentesimo di secondo e f/5.6 (30 - f/5.6) si otterrà un'esposizione corretta. Per come sono state costruite le due scale, è automatico che anche tutte le altre coppie indicate nella tabella qui sotto produrranno esposizioni corrette, perché in ogni caso non si fa altro che raddoppiare il tempo di posa dimezzando la quantità di luce che passa per unità di tempo o viceversa. 

 1 |  2  |  4  |  8  |  15  |  30  |  60  |  125  | 250 | 500 | 1000 
32| 22 | 16  | 11 |  8   | 5.6  |   4  |   2.8  |    2  |  1.4 |    1

Se le condizioni di luce cambiassero, ad esempio in presenza di più luce, la nostra serie di coppie potrebbe modificarsi, ad esempio, così: 

  4 |  8  | 15 | 30 | 60 | 125 | 250 | 500 | 1000 | 2000 | 4000 
32  | 22 | 16 | 11 |  8  | 5.6 |    4   | 2.8 |     2   |   1.4  |    1  

Ora, dato che la luce è aumentata, utilizzando un diaframma 5.6 basta un esposizione di un centoventicinquesimo di secondo per ottenere la giusta esposizione, mentre prima era richiesto tempo più lungo: un trentesimo di secondo. È come se le due scale fossero slittate tra loro di due posizioni, due "passi". Ogni passo di questo tipo è detto, in gergo, "f/stop", o semplicemente "stop". Ad esempio, passare da 30 - f/5.6 a 125 - f/5.6 equivale a "chiudere" di 2 stop, o di sottoesporre di 2 stop.

Una scala di diaframmi indicativa è la seguente:

32 |  22 |  16  |  11 |  8 |  5.6  |  4  |  2.8  |  2  |  1.4  |  1

Questi valori, apparentemente strani, sono stati scelti in modo tale che, passando dall'uno all'altro a parità di tempo di posa, la luce che raggiunge il sensore raddoppia o dimezza. Ad esempio, con la coppia 125 - f/8 passerà la metà della luce che passa con la coppia 125 - f/5.6, un quarto di quella che passa con 125 - f/4, ecc. 

In questa situazione, sapendo che tutte le coppie indicate in tabella sono equivalenti tra loro dal punto di vista dell'esposizione, potremo concentrarci sul risultato che desideriamo ottenere, ad esempio sceglieremo la coppia 500 - f/2.8 per un ritratto o 30 - f/11 per un panorama, magari con l'accortezza di usare un cavalletto visto il tempo lungo.

L'esposimetro è lo strumento che misura la quantità di luce, fornendoci l'insieme di coppie tempo/diaframma adatte a una determinata condizione di luce. Si attiva generalmente premendo il pulsante di scatto a metà corsa e ci restituisce qualcosa che, a seconda del programma di scatto impostato (si veda in seguito) può essere una coppia tempo/diaframma, solo uno dei due valori, o una misura di quanto si è lontani dall'esposizione corretta (un LED che si muove lungo una scala a zero centrale). 

Con fotocamere esclusivamente automatiche si è costretti a fare ciò che consiglia l'esposimetro, ma anche nel caso si possegga una fotocamera più sofisticata, i fotografi alle prime armi sono portati a credere che l'esposimetro sia infallibile, e si fidano ciecamente. In realtà, non è così; al contrario, la misura dell'esposimetro va sempre interpretata. Esaminiamo di seguito i vari tipi di esposimetro e il modo corretto di interpretarne i risultati.

Questo tipo di esposimetro legge la luce su tutto il campo inquadrato, restituendo appunto un valore medio (eventualmente, una media pesata che tiene in maggior conto l'area centrale, dove normalmente si trova il soggetto). É il più semplice tipo di esposimetro, presente sulla maggior parte delle fotocamere (in molti vecchi modelli, la lettura media era l'unico tipo di lettura esposimetrica disponibile). É adatto nella maggior parte delle applicazioni, ma sbaglia nel caso dei controluce(presenza di una sorgente luminosa alle spalle del soggetto). In questi casi, infatti, al fotografo interessa solo la luce proveniente dal soggetto - è il soggetto che deve essere esposto correttamente, non il faretto dietro di lui! - mentre l'esposimetro considera anche quella alle sue spalle. Risultato: il soggetto risulterà troppo scuro.


media


media pesata

Alcune condizioni tipiche di controluce sono: sole o altra sorgente di luce alle spalle del soggetto; ampia porzione di cielo inquadrato; in interno, finestra alle spalle del soggetto; sfondo molto chiaro (es spiaggia bianca o neve). A volte, basta davvero poco. Provate, ad esempio, a fotografare una persona di fronte a una parete bianca e poi di fronte a uno sfondo scuro, e fate caso a come cambia la coppia tempo/diaframma che la macchina imposta ... pur con stesso soggetto principale!

Una soluzione, quando si utilizza un esposimetro a media e ci si trova in condizione di controluce, consiste nella "sovraesposizione": anziché accettare il suggerimento dell'esposimetro, si scatta con 2 o 3 "stop" in più, a seconda dell'entità del controluce. La sorgente di luce alla spalle apparirà "bruciata", ma il soggetto sarà esposto correttamente.


compensazione

Agendo sulla ghiera secondaria o premendo il pulsante nel riquadro si attiva la compensazione dell'esposizione. Premendo il pulsante indicato dal quadrato si attiva il blocco esposimetrico (fotocamere EOS e PowerShot).

Avendone la possibilità, un'altra soluzione - anche migliore - consiste nell'avvicinarsi al soggetto o zoomare con l'obbiettivo, in modo da escludere la sorgente del controluce (o inquadrare leggermente più a lato un soggetto dai colori simili), effettuare la misura, memorizzarla, ritornare al punto di partenza per ricomporre l'inquadratura desiderata e scattare con le impostazioni memorizzate. Questa operazione è facilitata se la fotocamera dispone della funzione "blocco esposimetrico", che consente appunto di memorizzare dei parametri di scatto e riutilizzarli in seguito, ma si può fare in ogni caso utilizzando il programma di scatto manuale.

NOTA: Considerazioni analoghe a quelle fatte per i controluce valgono quando, al contrario, si desidera fotografare un soggetto chiaro su uno sfondo molto scuro. In questo caso, il fotografo dovrà sempre effettuare una compensazione, ma questa volta negativa (sottoesposizione).

Nelle fotocamere moderne, la lettura valutativa prende spesso il posto, o perlomeno si affianca, alla lettura media. Ancora, la luce viene misurata su tutto il campo inquadrato, ma suddividendolo in un certo numero di zone (a seconda del modello, da 5 a decine di zone diverse) e considerando ciascuna di queste zone singolarmente. In questo caso, la fotocamera dovrebbe rendersi conto di eventuali situazioni di controluce, dato che misurerebbe in una zona un valore di luminosità molto più alto delle rimanenti. In pratica, sbaglia comunque, ma in modo meno marcato del caso precedente. Valgono le considerazioni fatte sopra, con la differenza che in questi casi l'entità della correzione è inferiore.

Il principio di funzionamento degli esposimetri spot. 

Concettualmente diverso, questo tipo di esposimetro misura la luce solo in una ristretta zona del campo inquadrato, tipicamente al centro (ma la lettura può anche essere collegata al punto di messa a fuoco). A seconda dei modelli, l'area valutata può andare dal 10% a meno dell1%. Si tratta di un esposimetro ideale da utilizzare in presenza di controluce: leggendo solo dal soggetto principale, di fatto non è ingannato dalla luce alla spalle. Come è facile immaginare, però, sarebbe assai complicato utilizzarlo per un panorama (su quale punto effettuare la misura?). L'ideale sarebbe avere a disposizione sia la lettura spot sia una delle precedenti, e utilizzare la spot solo per i controluce. Questo è quello che accade, in effetti, in tutte le fotocamere professionali o prosumer moderne, dotate tipicamente di tripla lettura esposimetrica (media pesata, valutativa, spot).

Nel prossimo articolo esamineremo i programmi di scatto, parleremo di sensibilità e spiegheremo come preparare la fotocamera per la prima sessione fotografica. 

I contenuti e le notizie riportate in questo articolo sono state tratte dalla rete. Autore: Nicoletta Ghironi

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Anche se suona come un paradosso, l'utilizzo delle moderne e sofisticata tecnologie digitali ha finito per rendere la figura del fotografo prossima a quella di un artigiano, anche se in questo caso sarebbe più corretto parlare di un cyber artigiano. A meno che non possiate permettervi in photo editor personale, infatti, oggi è bene tenere presenti anche questi aspetti, tanto più se si considera la potenza degli strumenti di post produzione attualmente in circolazione. non è una caso che un pò tutte le principaliscuole di fotografia si siano organizzate modificando i propri programmi di studio proprio in funzione della necessità di affrontare i temi legati a quello che potremmo definire lo sviluppo digitale delle immagini. Saper gestire correttamente i propri file anche oltre la fase di scatto vera e propria non significa solo conoscere gli strumenti di editing e fotoritocco, ma anche avere una buona consapevolezza tecnica complessiva in tema di digital imaging. Specie i fotografi professionisti devono oggi sapersi confrontare senza problemi con temi come la calibrazione, la profondità di colore, lo spazio colore, le tecnologie di compressione e così via.

Fotoritocco 

Prima di conoscere più da vicino gli stumenti chiave per l'editing fotografico, è bene chiarire subito quali secondo noi siano il limite di demarcazione da non oltrepassare per non sconfinare dalla fotografia alla digital art. La potenza degli attuali software di editing è tale da consentire di modificare la realtà senza che sia possibile percepire l'inganno o quasi. L'esempio classico è quello delle foto pubblicitarie, dove sempre i corpi già statuari di modelli e modelle sono ritoccati per renderli simili a quelli di una divinità greca. Detto che spesso in materia il fine giustifica i mezzi, a nostro avviso vale quanto asserito da un grande della fotografia, Michael Nick Nichols, che a proposito di un fotoritocco ha detto: "si può fuorchè spostare anche un solo pixel". Un concetto in linea con la storia della fotografia che si è sempre avvalsa di accorgimenti e soluzioni tecniche, sia in fase di scatto, sia di sviluppo e stampa, per rendere migliore la qualità delle immagini.Via libera, dunque, a variazioni del colore, della luminosità, del contrasto, dell'esposizione, ma divieto assoluto di alterare la composizione o l'inquadratura, con l'unica eccesione del cropping, per il quale ci sono comunque delle regole.

Chi possiede una macchina reflex o una compatta di buon livello può probabilmente scegliere se registrare le proprie immagini digitali in formato JPG compresso secondo diverse modalità o in formato RAW. Con questo termine, che significa letteralmente "grezzo", si intendono quei file che contengono tutte le informazioni registrate dal sensore e dalla macchina al momento dello scatto. Si tratta di file di maggiori dimensioni e che pertanto consentono un maggior numero di opaioni in fase di editing e post produzione. In teoria a meno che non apparteniate a quella cerchia di utenti che di fotoritocco non vogliono nemmeno sentir parlare, i file raw sono sempre la scelta migliore perchè consentono id lavorare su un numero di informazioni migliori rispetto a quelle dei corrispettivi JPG che sono già il frutto di una serie di selezioni operate dalla macchina stessa al momento di generare il file prima della sua memorizzazione sulla scheda. Il difetto del file RAW, oltre alle dimensioni, sta nel fatto che la loro elaborazione è possibile solo attraverso l'uso di un software fornito direttamente dal produttore della macchina o come nel caso delle applicazioni di Adobe. Visto che sono le soluzioni professionali come queste ultime a garantire gli strumenti e i risultati migliori, ne consegue che chi vuole scattare in RAW deve mettere in conto anche la spesa necessaria per l'acquisto di un psogramma ocme per esempio Lightroom oPhotoshop. Tra gli altri "difetti" di questo tipo di file si segnalano la necessità di usare schede di memoria di dimensioni maggiori e la diminuzione delle prestazioni delle forocamere in modalità "raffica". 
Generalizzando, e tenendo presente quanto detto fin qui, il consiglio è quello di usare il formato RAW solo quando si lavora agli alti ISO, quando si ha bisogno di gestire al meglio tutti i parametri principali dell'immagine (still life e foto in studio in generale) e quando si opera in manuale.

Di solito quando si parla di fotoritocco siamo tutti portati a cercare soluzioni open source e freeware, ma è complicato fare a meno di nomi illustri come Photoshop. Infatti, se è vero che esistono sul mercato pacchetti meno costosi come per esempio Paint Shop Pro di Corel, o del tutto gratuiti come Gimp, è difficile negare la differenza di potenza degli strumenti messi a disposizione. I fotoamatori più esigenti, o chi ha mire profesisonali non può pertanto pensare di fare a meno di una copia di Photoshop o Lightroom. A proposito di questo amletico dubbio, ossia su quale delle due soluzioni Adobe puntare, dopo più di un anno di vita è possibile trarre un bilancio più completo su quello che molti avevano erroneamente accolto come una brutta copia di Photoshop. Lightroom, si è dimostrato un prodotto comodo per chi gestisce grandi quantità di immagini. L'interfaccia a misura di fotografo e, ovviamente, la potenza dei suoi strumenti lo rendono oggi una soluzione più intelligente rispetto al fratello maggiore Photoshop. Quest'ultimo ha assunto ormai dimensioni ciclopiche, diventando molto di più di un software di fotoritocco. Sebbene possa vantare di un numero molto più alto di funzioni e strumenti, in molti casi questi non riguardano direttamente le esigenze tipiche dei fotografi e lo rendono più complesso rispetto ai flussi di lavoro preordinati di Lightroom. A far pendere la bilancia a favore di quest'ultimo, poi, interviene anche il fattore costi.

Stampa 

Quello della stampa è il settore che più ha subito i cambiamenti imposti dal passaggio al modello digitale. Il primo effetto è stata una netta diminuzione del lavoro per i laboratori tradizionali, messi in crisi in un primo momento soprattutto dalla disponibilità di stampanti personali. Quindi, in una seconda fase, gli utenti, anche un pò delusi dal miraggio della stampa "fai da te", hanno cominciato nuovamente a rivolgersi a lavoratori specializzati, ma, dati alla mano, per un volume di stampa inferiore a quello dei tempi della pellicola. La ragione è semplice: le foto digitali vengono viste direttamente sui computer, tantopiù che l'uso di internet ha aperto la porta ad applicazioni che permettono di condividere il proprio lavoroben oltre la portata dell'album fotografico..

Per quanto riguarda i sistemi a getto d'inchiostro, con le dovute differenze tecniche, i tre brand tipici del mercato, ossia Canon, Epson e HP, hanno ormai raggiunto standard qualitativi molto elevati anche nella cosiddetta fascia consumer. Lasciando fuori plotter e altre soluzioni professionali dai costi improponibili per i fotoamatori, tutte e tre le principali case garantiscono un'offerta di modelli di fascia alta capace di soddisfare anche i più esigenti. Gocce da un solo picolitro di diametro, inchiostri ai pigmenti a lunga durata e l'introduzione di carte speciali di qualità via via superiore consentono davvero grandi risultati fino al formato A3+. Certo, nonostante i costanti miglioramenti dei driver e delle relative interfacce, riprodurre una fotografia in modo corretto e con unacalibrazzione del colore degna di questo nome non è proprio un gioco da ragazzi. 
I risultati migliori si ottengono imparando a gestire una a una tutte le opzioni messe sul campo così da adattarle alla perfezione alle diverse scelte possibili. Prodotti di questo tipo sno pertanto adatti soprattutto a chi ha bisogno di realizzare provini e stampe di qualità in qualsiasi momento e in tempi accettabili. Una stampante fotografica di buon livello in formato A4 si rivela invece ancora utile al fotoamatore che vuole verificare l'esito dei propri interventi in post-produzione prima di portare i file presso il laboratorio di stampa. Se usate in modo corretto, queste getto d'inchiostro hanno il vantaggio do offrire un costo per pagina accettabile, anche se di solito decisamente più alto di quello dichiarato dal produttore per ragioni di marketing.

La stampa del laboratorio fotografico resta a mio avviso la soluzione più comoda e forse più conveniente per le stampe finali. A meno di non scegliere laboratori "express" che sfornano foto in modalità completamente automatica, un laboratorio fotografico serio permette di ottenere una stampa calibrata per le proprie immagini. Un aspetto importante di quando si parla di colori, ma che può divenire fondamentale se invece ci si riferisce al bianco e nero. Diversamente, considerando i progressi compiuti dalle tecnologie InkJet di fascia alta, l'ipotesi stampa fai-da-te torna di attualità, poichè consente di realizzare stampe calibrate su ciascuna immagine. Un discorso a parte lo meritano i servizi per l'on-line printing, che sono invece un'ottima soluzione per risparmiare tempo e talvolta anche denaro Naturalmente, occorre valutare se il prezzo del servizio on-line risulta davvero più competitivo di quello del classico laboratorio "stampe in 30 minuti".

Chi sceglie di dotarsi di una getto d'inchiostro fotografica, se tiene a fare le cose veramente per bene, dovrebbe cercare di calibrare al meglio il proprio sistema "macchina-monitor-stampante", pena frustranti e costose ricerche empiriche della corretta calibrazione tra i colori. 
Per riuscire in questa impresa, si possono tentare diverse strade, ma quella che garantisce risultati migliori passa per l'acquisto di un software specializzato, meglio se fornito insieme a uno strumento capace di "leggere" il colore del monitor. Una volta trovata la corretta corrispondenza tra ciò che si vede a video e ciò che si ottiene sulla carta, bisogna poi tenere a mente che in ogni caso la stampa risulterà con un livello di contrasto leggermente inferiore a quello visualizzato sul monitor. Per questo motivo,quando si prepara un'immagine digitale per la stampa è buona regola, oltre che crearne una versione CMYK, aumentarne leggermente il contrasto rispetto a quanto risulterebbe necessario a occhio nudo. Se usate una maschera di contrasto, intervenite a questo scopo sul Fattore, impostando su valori compresi tra 120% e 200%, tutto dipende da l tipo di immagine.

I produttori tendono sempre più a semplificare ogni operazione all'interno dei propri complessi sistemi di stampa e relativi driver software. nella stessa misura e per le stesse ragioni, la tendenza è anche quella di farcire i propri driver con tecnologie capaci di rendere la vita più semplice agli utenti attraverso l'uso di algoritmi in grado di ottimizzare l'immagine, per esempio aumentando la brillantezza dei colori o applicando un effetto di anti-aliasing laddove necessario. Si tratta di soluzioni che danno in media buoni risultati, ma che ovviamente devono essere escluse o disattivate quando ci si accinge a stampare file che sono già stati ottimizzati in fase di post produzione.

Archiviazione 

Quando si parla di archiviazione sono i particolari a contare di più. visto che l'avvento del digitale ci ha privato di un archivio "fisico", la sopravvivenza nel tempo dei nostri file è affidata a un numero cospicuo di dispositivi digitali, ciascuno con caratteristiche differenti. L'ideale è in ogni caso optare per un doppio backup. su due DVD, per esempio, oppure su due media differenti, quali dischi fissi esterni e on.line. L'esperienza mi porta a suggerire ai professionisti, ma anche a colore oche non vogliono prendersi il rischio di perdere i propri ricordi, di adottare addirittura tre diverse misure, ossia CD eDVD, dischi fissi esterni e soluzioni on-line.

Si tratta del sistema più a buon mercato, ma il suo utilizzo richiede una certa quantità di tempo. Infatti la masterizzazione deve essere impostata per evitare la registrazione dei dati alla massima velocità possibile (che genera quasi sempre piccoli errori). 8x è un valore "sicuro" per i CD, mentre 4x va bene per i DVD. Rispetto a questi ultimi, decisamente comodi per chi usa schede da 4BG, in realtà risultano meno "affidabili" dei più piccoli CD per ragioni legate ai diversi formatiesistenti. In ogni caso, evitate sempre dischi riscrivibilie, soprattutto impostate il programma di masterizzazione affinchè proceda automaticamente alla verifica dei dati registrati.
Poichè CD e DVD sono supporti ottici delicati, dopo aver masterizzato in duplice copia le immagini e aver testato la funzionalità dei dischi riponeteli nelle apposite custodie e quindi in un luogo asciutto, lontano da sbalzi di temperatura e della luce.

Una soluzioone che offre molti vantaggi, ma che espone il backup a maggiori rischi. I dischi fissi si possono infatti rompere e quelli esterni possono denunciare guasti non solo per quanto riguarda la propria componente di memoria, ma anche per quanto concerne controller e alimentazione elettrica. Dal punto di vista economico, invece, il crollo dei prezzi degli hard disk ha reso questi dispositivi decisamente più convenienti che in passato, al punto da far loro vincere la classifica del costo per gigabyte (0,20 €) anche rispetto ai DVD (0,30 €). Iltransfer rate decisamente più elevato rende però allettante la prospettiva di disporre anche di un archivio su disco fisso, anzichè solo su DVD, soprattutto se si punta su dispositivi Firewire. Per quanto riguarda la scelta, l'importante è verificare che l'unità utilizzata all'interno corrisponda a un modello di fascia medio alta o alta. Per non correre rischi, chi ha una certa familiarità con cacciaviti e pc può optare per l'acquisto di un telaio vuoto, e separatamente, di un disco fisso di propria scelta. Da evitare invece i dischi fissi portatili realizzati con componentistica notebook. Sono perfetti per backup volanti o simili, ma non vanno bene per operazioni di backup a lungo termine per due motivi: un MTBF più basso dei corrispettivi desktop e la maggiore difficoltà di connessione al pc, nel caso di rottura del controller o del sistema di alimentazione. Infine, se optate per il backup su disco fisso esterno, ricordatevi che dovrete usare queste untià esclusivamente per il backup e non per il lavoro di tutti i giorni. Dunque dopo aver trasferito le immagini da e verso il disco fisso del pc, l'hard disk esterno va immediatamente riposto in un luogo sicuro.

Le soluzioni basata ul web hanno innumerevoli vantaggi. Il primo più banale e scontato è che si può far affidamento su sistemi di backup decisamente più sofisticati, dal momento che è lecito presumere che servizi come per esempio flickr si tutelino in tal senso molto meglio di quanto non possa fare un comune mortale. Inoltre i sistemi on-line permettono di accedere al proprio archivio digitale da qualsiasi luogo nel mondo e non necessareamente dal monitor del proprio PC. l'unica cosa che serve è una connessione a interne, meglio se a banda larga e di tipo flat per mantenere i costi sotto controllo e non perdere troppo tempo per l'upload e il download dei file. A queste condizioni si può tentare la strada on-line sostanzialmente in due modi:sottoscrivendo un abbonamento annuale come quello di Yahoo!, piuttosto che utilizzando uno spazio FTP di propria pertinenza. Anche se molti non se ne rendono conto, al momento di registrare e acquistare un dominio personale si entra in possesso anche di una quantità di storage (variabile a seconda del cotnratto) che permette di crearsi un proprio archivio on-line, cui accedere semplicemente tramite un client gratuito come per esempio Filezilla.

Su internet 

L'elenco dei siti che offrono servizi di successo per la fotografia è praticamente infinito, ma in questa sede mi limiterò a citarne tre che rappresentano dei punti di riferimento, ciascuno nel suo ambito.

Servizio per l'archiviazione on-line, flickr si è via via evoluto in uno dei principali social network, sebbene lo faccia mettendo in relazione soprattutto gli appassionati di fotografia. L'applicazion di cui esiste una regolare versione gratuita, consente di accedere a una serie di strumenti per la gestione dell'upload e dell'archivio, cui aggiunge un cospicuo set di funzioni per così dire di relazione. Chi lo desidera può infatti dar vita a una serie di community nella community dando vita a gruppi amministrati secondo regole decretate direttamente dagli amministratori. Il mezzo ideale per conoscere per esempio appassionati del medesimo genere fotografico o soggetto, così come per creare veri e propri contest on-line. Divertimento dunque, ma anche scambio di informazioni e la possiblità concreta di migliorarsi tecnicamente tramite il confronto con altri utenti. Ottime le opzioni accessorie, come il geotagging o le soluzioni di archiviazione su CD e printing. Meno interessante, invece, sotto il profilo economico:flickr non è pensato per mettere in mostra e vendere le proprie immagini e anzi da questo punto di vista non più i rischi che le opportunità Se c'è un servizio on-line che ha avuto un impatto consistente sul mercato della fotografia professionale, questo è certamente iStock che non a caso è presto diventato l'archetipo per una serie di concorrenti/imitazioni. É difficile avere la percezione del fenomeno se non si è in qualche modo coinvolti direttamente nel mercato editoriale e della fotografia, ma per capirlo basta di solito ricordare che su iStock si vende in media 1 immagine ogni 1,4 secodni, cioè oltre 60000 immagini al giorno. Il segreto di questo successo? Il prezzo basso applicato alle immagini, l'ampio database di illustrazioni e fotografie, e la velocità tipica del web, con il file recapitato direttamente sul proprio desktop, pochi istanti dopo averne confermato l'acquisto. Una vera manna dal cielo per grafici editoriali e creativi web e non; una vera "mazzata" inaspettata sulle grandi agenzie fotografiche di stock che hanno visto sfumare parte del proprio business. Per iscriversi e giocare le proprie carte ci vuole solo un pò di coraggio: istock è aperto a tutti.
Dei tre servizi citati Imagekind è il più giovani ed appartiene in qualche modo alla scuderia di Flickr: grazie a un accordo con Yahoo!, l'account gratuito è accessibile usando le stesse user ID e password valide per Flickr. Si tratta di un tentativo intelligente di piattaforma e-commerce aperta a tutti i fotografi professionisti e non. Il sito si propone come strumento di vendita di stampe con tanto di passepartout e cornice in diversi materiali, design e colori. Un servizioche stando alle statistiche sta riscuotendo un successo via via maggiore, soprattutto nei mercati nordamericani. Un modo per verificare l'interesse del proprio portfolio o per promuoverlo anche su mercati diversamente impossibili da raggiungere. In due parole: da provare. 

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Giovanni Sodano